À partir de l’examen d’un ensemble de films amateurs conservé à la Cinémathèque de Saint-Étienne, identifié sous le titre de « dépôt Gourbeyre », ce texte se propose d’établir quelques caractéristiques de ce qu’a pu être le film de famille pratiqué au moyen de caméras argentiques. Outre la disponibilité à l’acte de filmer que demandent les outils de prise de vue pellicule, la pratique du 8 mm relève d’une exposition à l’imprévu et à l’accident. Quelques exemples d’incidents sont examinés (...) ici, qui relèvent soit de l’usage, soit du fonctionnement de la caméra, mais qui élaborent ensemble les contours d’une poétique de l’accident. (shrink)

Promettant à la fois la capture de l’instant et son dépassement vers l’intemporel, le medium photographique voit son destin intimement lié à la catégorie du temps. L’article suggère cependant que cette inclusion du temps dans l’image s’est acquise, au cours de l’histoire de la photographie, au prix d’une essentialisation du momentané. À rebours d’une telle approche, il s’agit de repenser l’instantané photographique comme découlant de l’accident, si bien que la photo figure non plus l’instant fécond, mais bien le temps (...) de l’accident, qui correspond, dans tous les sens du terme, à un arrêt de mort. (shrink)

La préoccupation de l'auteur est ici de démontrer qu'il est possible de conceptualiser une écriture du réel qui ne doit rien à ce que l'on entend communément par " réalité ". Si la réalité se définit comme " ce qui est ", le réel, lui, est hors monde, avant l'émergence du signifiant et du langage. Les études des oeuvres de Pierre Guyotat et de Bernard Réquichot soutiennent qu'une écriture est possible sans céder à une signification immédiate. Elle s'origine dans le (...) corps et se fabrique à partir d'un impensé dont la coloration est l'angoisse. Ce n'est donc pas un hasard si un rapport s'établit entre le trait de la lettre et la consistance d'un sujet. Deux extrêmes fondent ce rapport : les premiers signes écrits des grottes préhistoriques et la production esthétique rencontrée dans la clinique de la psychose. De tout cela, il ressort une théorie du sujet qui doit plus à une ontologie de l'accident qu'à une permanence de l'être. (shrink)

Les multiples histoires des idées qui retracent la constitution, relativement récente, de la discipline appelée «esthétique», mentionnent souvent le nom d�Alexander Gottlieb Baumgarten (1714-1762) en lui attribuant l�«invention» du néologisme «æsthetica». Très rapidement, ce terme latin, traduit en allemand, entre dans l�usage courant. De nos jours, il désigne un ensemble de discours souvent très hétérogènes sur les beaux-arts. Mais le sens originaire d�æsthetica, c�est-à-dire le contenu de l�ouvrage éponyme de 1750, demeure largement méconnu. Le présent article souhaite contribuer à (...) souligner l�importance du geste inaugural de Baumgarten, dont l�intérêt n�est pas seulement historiographique. Car ce philosophe instaure de manière durable un nouveau rapport à l��uvre d�art. Nous insisterons tout particulièrement sur l�inscription métaphysique de son projet. (shrink)

Cet article cherche à revenir sur la notion de beauté conçue comme « liberté des apparences » proposée par Schiller dans Callias ou de la beauté (1793), contre l’opposition de la pensée pré-moderne et moderne qui opposent de manière radicale la nature et la liberté. L’idée de Schiller que la beauté naturelle de la nature résulte de la liberté permet de résoudre cette opposition, comme le confirme la science moderne. L’article défend cette idée comme une manière souhaitable d’échapper aux cloisements (...) des modernes. (shrink)

La question importante, ici, n’est pas l’intérêt philosophique des séries télévisées mais l’intimité mutuelle des séries et de la philosophie : comment peut-on trouver dans la philosophie le traitement de la forme de sensibilité qui a été formée par le fait de regarder des séries? Pour cela il faut transformer la philosophie, en faire une éducation de soi, comme une autobiographie esthétique. Stanley Cavell prenait son point de départ, dans La Projection du monde (1971), dans le caractère « populaire (...) » du cinéma, en l’articulant à l’intégration du cinéma à la vie ordinaire du spectateur. Ce que Cavell revendiquait du cinéma grand public de Hollywood s’est transféré aux séries télévisées, qui l’ont relayé, sinon remplacé, dans la tâche d’éducation morale et dans la constitution de l’imaginaire des humains. La culture populaire se révèle lieu de « l’éducation des adultes », d’une forme de culture de soi – une subjectivation opérée par la mise en commun, par le partage et le commentaire d’un matériau public, intégré dans la vie ordinaire. (shrink)

Cet article éclaire par leur analyse différentes conceptions de l’expérience esthétique qui ont joué un rôle significatif dans la philosophie de l’art et de l’esthétique. Cette analyse approfondit mon étude antérieure des caractéristiques hédoniques, évaluatives, phénoménologiques, sémantiques et définitionnelles du modèle traditionnellement dominant de l’expérience esthétique et s’élargit à des critères pertinents supplémentaires pour évaluer les différentes fonctions et valeurs de l’expérience esthétique. Ce cadre analytique plus large nous permet de considérer une forme importante d’expérience – (...) l’expérience sexuelle – que les philosophes excluent habituellement de l’expérience esthétique. En examinant d’un œil critique les raisons qui motivent une telle exclusion (le plus souvent, elles ne sont pas explicitement formulées dans les arguments), l’article suggère comment l’expérience sexuelle (ou ce que je préfère appeler l’expérience érotique) peut être utilement décrite et valorisée comme esthétique. (shrink)

Le deuxième siècle inaugure une nouvelle trame d’expression artistique dans laquelle vient s’immiscer le discours philosophique et sociologique. La relation Courbet-Proudhon nous invite à envisager une nouvelle organisation de l’expérience esthétique en résonance avec une articulation de la conscience collective et de la conscience individuelle dont le concept d’« esthésie»s’affirme comme faculté qui y est spécifiquement dédiée.

En retraçant la dynamique de la communication à la base de toute expérience, l’anthropobiologie d’A. Gehlen (2021) a montré que l’avorton chronique qu’est l’être humain a dû, pour pouvoir vivre, se fixer au langage en faisant parler le monde. Pourquoi? Pour y retrouver le même bonheur que celui qu’il avait pris à l’écoute de la voix de la mère dans l’écoute intra-utérine, ainsi que l’a découvert Alfred Tomatis (1977 ; 1991). Parce que l’être humain n’est pas un être biologiquement bien (...) formé et est né un an trop tôt comme l’a découvert L. Bolk, corroboré Otto Schindewolf et développé S. J. Gould – si on le compare aux mammifères pourvus d’une complexité semblable – il n’est doté que d’instincts intraspécifiques (nutritionnels, sexuels et défensifs) [...]. (shrink)

Des magasins Disney aux boutiques de musées, les produits dérivés sont désormais incontournables. En réutilisant une grande variété de formes et de volumes, ces phénomènes marketing semblent se faire l’écho d’une situation culturelle particulière pour laquelle un personnage de bande dessinée et un tableau de maître peuvent être imprimés sur un mug ou un carnet sans aucune distinction. Malgré ces goûts éclectiques, les produits dérivés semblent dessiner un savoir-faire spécifique, motivé à première vue par des raisons commerciales. Quelle est l’histoire (...) des produits dérivés et comment pouvons-nous les définir? En regardant les pratiques des concepteurs de produits dérivés et en les replaçant dans leurs contextes de vente, nous comprenons que la reproduction n’est pas la seule raison de leur succès. Une motivation décorative fait également partie intégrante de leur nature. Cet aspect des produits dérivés, qui appartient plus au champ esthétique qu’économique, nous offre des informations sur la place des arts appliqués dans notre société et sur leur traduction par le capitalisme contemporain. (shrink)

Depuis l’émergence de la mouvance du bio-art dans les années 1990, l’art devient un terrain pour montrer au grand public ce dont les biosciences sont capables. Le vivant à son échelle microscopique ou macroscopique semble devenir, pour les enquêtes bio-artistiques, une nouvelle Terre à conquérir. Désormais, dévoiler et donner à voir les mystères du vivant ne suffit plus. Aidé par les nouvelles possibilités des biosciences, l’artiste cherche à se l’approprier. Que signifie alors penser et créer avec la nature dans ce (...) contexte? En s’appuyant tant sur quelques exemples de démarches artistiques actuelles en interaction avec les biosciences, nous interrogerons les nouvelles esthétiques dictées par la conquête du vivant et leurs résonnances avec la notion d’éthique. Il s’agira d’entrevoir dans quelle mesure la relation à l’esthétique serait ici révélatrice d’un rapport au monde. (shrink)

In lieu of an abstract, here is a brief excerpt of the content:Reviewed by:L’esthétique de StaceA. M. KeithAnne-Marie Taisne. L’esthétique de Stace. Paris: Les Belles Lettres, 1994. 433 pp. Paper, 280 FF. (Collection d’Etudes Anciennes 122)Anne-Marie Taisne is the author of numerous articles concerning the literary history and artistic context that inform single poems in Statius’ Silvae and self-contained passages in his Thebaid and unfinished Achilleid, papers which lay the groundwork for her comprehensive new study of the literary (...) aesthetic on display in the extant poetic oeuvre of P. Papinius Statius. In this ambitious monograph, she undertakes to explore two facets of Statius’ technical artistry, his spatial and temporal imagery, within the theoretical framework provided by ancient literary criticism. She is particularly concerned to articulate the poet’s dynamic reuse of the weighty literary tradition to which he is heir, and accordingly proposes, in her introduction, to structure her discussion around such central ancient critical issues as imitatio (mimesis) along with its close relatives aemulatio and contaminatio, and doctrina with its associated critical vocabulary of ingenium, ratio, and ars (6–10). Throughout the volume, she explicates these techniques in detailed analysis of Statian imagines, which she defines generally in the sense of “imagery” following S. Viarre (“L’image et le symbole dans la poésie d’Ovide: Recherches sur l’imaginaire,” REL 62 [1974] 263–80), and particularly by reference to individual usages of the term as they are discussed in the article on imago in the Thesaurus Linguae Latinae (11).Part 1, “Correspondances dans l’espace,” examines the spatial imagery of Thebaid, Achilleid, and Silvae in three chapters which treat (1) echo and reflection (17–52), (2) metamorphosis, multiplication, and contagion (53–119), and (3) simile (120–76). Part 2, “Correspondances dans le temps,” investigates the poems’ use of time as a structural principle, again in three chapters which discuss (1) prophecies and portents (177–236), (2) digressive elements such as ecphrases and embedded narratives (237–303), and (3) leitmotifs, or repeated patterns of imagery, such as divine and human interventions and the role of nature in the poems. The material Taisne analyzes in part 1 coheres more convincingly with her overarching theme of spatial imagery than that which she discusses in part 2 under the rubric of temporal imagery. I did not understand, for example, why nature, well discussed in connection with Statius’ use of the simile in part 1 (137–62), reappears in part 2 (331–58) with no explanation of its relevance to temporal imagery.Taisne persuasively documents the wide range of literary models on which Statius draws in all his poetry, and shows that the Thebaid makes particular use of epic and tragic models (166–68, 170, 373–75), the Achilleid of tragic and lyric models (168–71, 374–78). Her discussion of the literary echoes and wider symbolic relevance of individual passages is often very interesting, and the sheer accumulation of literary parallels is extremely impressive. I was reminded of and newly alerted to significant literary resonances on almost every page, and noticed only one incomplete assemblage of literary parallels (in her discussion of Hylas [End Page 159] in Silvae 1.2.199 [27–28], there is no mention of Theocr. Id. 13, Ap. Rhod. Arg. 1.1207–72, or Nicander apud Ant. Lib. Met. 26). The service to which this material is put, however, is not as exciting as the length of the study might lead one to hope. Throughout, Taisne argues that Statius’ deployment of imagery is consistent with the overarching thematic framework of each poem, defined as furor and horror in the Thebaid (23 and passim), an ambiguous and deceptive calm in the Achilleid (353–54 and passim), and serenity and harmony in the Silvae (28 and passim), but she does not press her analysis beyond the accumulation of imagery in the service of these themes as evidence of Statian amplificatio. This is particularly disappointing in an author so well placed to discuss the material culture of the Flavian epoch and the interrelations between Statius’ poetry (especially the Silvae) and the culture of display in Domitian’s Rome. Nevertheless, scholars will be grateful to Taisne for the material she has collected... (shrink)

Résumé Accéder au mode de production de l’œuvre d’art est dans certains cas une nécessité pour qu’il y ait appréciation esthétique ; comme si le cadrage de l’œuvre permettait un cadrage de l’attitude du spectateur sans lequel l’expérience esthétique ne pourrait avoir lieu. À partir d’une série de peintures de René Magritte confrontée à des œuvres contemporaines, la contrainte poétique est abordée pour les qualités stratégiques et programmatiques de la réception de l’œuvre : une réception qui serait sans (...) elle impossible justement parce que le spectateur ne saurait pas quelle attitude adopter devant l’œuvre. (shrink)

Selon Schiller, jouer, c’est agir en étant dégagé de toute contrainte et de toute obligation, et donc tirer grand plaisir de sa liberté par rapport aux nécessités. C’est ce sentiment de liberté rattachant le jeu au phénomčne esthétique de beauté qui fait sa grande valeur éducationnelle. La qualité que nous appelons beauté procure le męme plaisir que le jeu. Dans une belle śuvre d’art, la matičre n’est pas dominée par la forme ou vice-versa. Une śuvre d’art est un jeu (...) libre entre forme et substance, entre beauté et contrainte, et représente de ce fait le summum de l’activité ludique. Les jeux sont des pas sur la voie de la beauté, car ils éduquent ceux qui jouent au plaisir de la liberté de création. Contrairement ŕ la position de Schiller, Maria Montessori rejette le jeu comme moyen d’éducation. Elle pense que les enfants doivent travailler pour trouver leur voie ŕ travers les difficultés de la réalité. Or, l’analyse de ses méthodes révčle la présence de nombreux éléments de la liberté que Schiller attribue au jeu. Les enfants peuvent choisir les choses avec lesquelles ils « travaillent ». Ils ne sont pas obligés de les utiliser exactement de la maničre que l’éducateur leur montre. Et, ce qui est le plus important, les enfants prennent un grand plaisir ŕ exécuter leur « travail ». Dans cet article, l’auteur interprčte d’abord les réflexions de Schiller sur l’éducation ŕ travers le jeu, oů l’accent est mis sur l’imagination. Dans la seconde partie, l’auteur discute la question de savoir s’il est justifié de prétendre que Maria Montessori rejette l’imagination comme moyen d’éducation. (shrink)

L’esthétique de Croce a souvent été lue comme une philosophie de la conscience esthétique, qui présuppose une distinction stricte entre l’artiste et l’œuvre, entre le sujet connaissant et l’expression artistique. Dans cette optique, l’œuvre serait une traduction fidèle de la pensée de l’artiste. Les pages qu’Adorno consacre à Croce dans sa Théorie esthétique semblent en quelque sorte se référer à cette ligne d’interprétation. Dans cet essai, nous voudrions examiner une autre lecture possible de la réflexion de Croce (...) sur l’art à partir d’une esthétique de la production, pour mettre en évidence le fait que pour lui toute procédure artistique est essentiellement instable et fondée sur un corps à corps avec les matériaux. Entre l’artiste et l’œuvre, il n’y aurait donc pas de relation linéaire, mais plutôt une sorte de tension que l’art, à différents niveaux, matérialise. (shrink)

Cet ouvrage est une réédition numérique d’un livre paru au XXe siècle, désormais indisponible dans son format d’origine.

Résumé L’art américain des années 1960 et 1970 témoigne de mutations singulières à la fois en termes de pratiques et de lieux qui les accueillent. Le processus – processus de création, processus d’altération des matériaux, de développement de l’image filmé, de déploiement des gestes dansés ou d’une musique sérielle – œuvre comme une expérience primant sur l’objet et ouvrant vers la conjonction de temporalités distinctes, celle de l’atelier et celle de l’espace d’exposition. Le glissement esthétique de l’œuvre vers le (...) processus, accompagné d’un glissement sémantique de l’œuvre vers le « travail », participe alors d’un contexte plus vaste, dépassant le domaine artistique, comme un symptôme de mutations politiques, sociales et institutionnelles. (shrink)

Journal Name: Semiotica Issue: Ahead of print.

Résumé Si Lyotard n’a jamais traité explicitement de l’enregistrement musical, il en propose une pensée en creux dans Des dispositifs pulsionnels et L’inhumain. Contrairement à Adorno ou Benjamin, Lyotard n’accuse pas l’enregistrement de faire de la musique une marchandise comme une autre au sein du système capitaliste. C’est la musique classique occidentale elle-même qui est intrinsèquement mécanique et capitaliste, l’enregistrement ne faisant que renforcer ce processus fondamental, à l’œuvre plus particulièrement dans la « nouvelle musique » de Schoenberg. Mais la (...) loi des séries n’est pas le fin mot de la musique. La plus classique des sonates est toujours postmoderne, en ce qu’un événement sonore inaudible y est présent à travers l’audible, en ce qu’à travers les variations incessantes un thème fondamental toujours absent est présent. Toute musique entendue n’est que l’enregistrement d’un tel événement. Loin de voir dans l’enregistrement musical un accident de la musique, Lyotard pense donc essentiellement la musique comme un enregistrement. (shrink)

Parmi l’abondante littérature consacrée aux esthétiques kantienne et hégélienne, seuls quelques auteurs en ont esquissé une lecture phénoménologique. Prenant pour objet ces textes de l’idéalisme allemand, cette lecture a pu être qualifiée de «paradoxale» et d’«an-historique». Pourtant il est incontestable que l’appréhension désintéressée du beau est corrélative d’un apparaître phénoménal. Dans cette mesure, nous voulons cerner l’intérêt et la pertinence d’une perspective phénoménologique, pour l’analyse de l’appréhension du phénomène et de l’expérience esthétiques comme tels, mais également et de façon immanente (...) pour le commentaire critique des esthétiques kantienne et hégélienne. (shrink)

In this paper we argue that Pareyson’s notion of formativity is germane to the notion of self–transcendence recently put forward in the vast domain of the sciences of the self–organization of complex systems. Following Jean–Pierre Dupuy’s approach, we will not apply this notion to the analysis of Pareyson’s theory; we will, instead, show— by referring to thenumerous topoi where often surprisingly precise parallelisms, onvergences and semantic identities are to be found—that, though being largely independent in their genesis, the logics of (...) the two notions are already consistent with each–other. As a result, we will claim that Pareyson’s theory of the work of art is best understood as a study on the integration of different layers of organizational closures. (shrink)

Maurice Griveau (1851 – vers 1930) construisit, au fil de nombreuses publications, une pensée esthétique ambitieuse, classique et singulière. Classique, car elle cherchait à accomplir le projet formulé par Baumgarten d’une science du beau qui « porte à sa perfection la connaissance sensible » en faisant du beau l’évidence d’une finalité naturelle d’ordre métaphysique. Singulière, car ses méthodes furent celles de « l’esthétique d’en bas », scientifique et anti-métaphysique. Nous présentons ici cette « science idéale » oubliée, mais (...) très présente dans le champ de l’esthétique en France jusqu’à la Première Guerre mondiale. (shrink)

The most obvious varieties of mental phenomena directed to non- existent objects occur in our experiences of works of art. The task of applying the Meinongian ontology of the non-existent to the working out of a theory of aesthetic phenomena was however carried out not by Meinong by his disciple Stephan Witasek in his Grundzüge der allgemeinen Ästhetik of 1904. Witasek shows in detail how our feelings undergo certain sorts of structural modifications when they are directed towards what does not (...) exist. He draws a distinction between genuine mental phenomena and what he calls `phantasy-material', asserting that `the job of the aesthetic object, whether it is a work of art or a product of nature, is to excite and support the actualisation of phantasy-material in the experiencing subject'. We might think of such phantasy-material as a matter of Ersatz-emotions or emotional `slop'. We could then see Witasek's aesthetics as an elaborate taxonomy of the various different sorts of Ersatz-emotions which the subject allows to be stimulated within himself in his intercourse with works of art, and see works of art themselves as machines for the production of ever more subtle varieties of such phantasy-material in the perceiving subject. (shrink)

Cet article interroge la place de l’esthétique dans la philosophie générale d’Étienne Souriau. Faut-il voir dans l’esthétique, comme le suggèrent certains passages et exemples chers à Souriau, le paradigme de l’activité créatrice et le ressort-même de l’instauration, concept central de la philosophie sourialienne? Ou, au contraire, l’esthétique et les créations artistiques ne fourniraient-elles que des exemples, certes particulièrement nets, de processus appelés « cosmiques » par Souriau que seule la philosophie serait à même d’explorer pleinement? L’article cherche (...) à apporter une réponse nuancée à cette question en se penchant à la fois sur des ouvrages philosophiques majeurs de Souriau et sur des articles plus méconnus. Une autre question se pose en conclusion : et si les interactions de l’esthétique et de la philosophie générale de Souriau nous incitaient à repenser la fonction de l’esthétique en lui conférant un rôle expérimental, directement connecté à la construction dramatique de la philosophie sourialienne? (shrink)

Parue en 1953, la Phénoménologie de l'expérience esthétique applique pour la première fois à l'esthétique l'appareil conceptuel de la phénoménologie. Elle élabore une analyse de l'oeuvre d'art et, plus largement, de l'objet esthétique, si divers et changeants qu'en soient les traits singuliers. Elle s'attache à décrire l'expérience esthétique vécue, ce moyen privilégié que nous avons d'éprouver notre présence au sensible. Elle célèbre cette forme heureuse du sentir, ce haut moment de la perception où se révèle, à (...) la limite du pensable, la connivence originaire de l'homme et du monde. (shrink)

The article deals with the aesthetic dimension of humour. The author starts with Hannah Arendt’s distinction between labour as a set of tasks necessary for the reproduction of biological life and praxis as an expression of freedom. In the same way the humour would be detached from the “working communication” of everyday life. Humour represents a “break” with ordinary modes of communication. This is done through “transpositions”, which can take the form of objectual transpositions (which play on the equivocal references (...) of a term), verbal transpositions (which contrast the uttered hypertext with a more usual hypotext; self-deprecation is a special case of verbal transposition) or metacognitive transpositions (like the “lapalissade”). The aesthetic value of humour is increased by the simplicity of the means used to obtain the contrast. (shrink)

ABSTRACT: The following paper is not a literal exegesis of Hegel's æsthetics, but rather the attempt to encounter his æstheticsfrom a philosophical perspective which considers the æsthetic experience as intuition offinitude. From this perspective our purpose is to indicate the contemporary philosophical relevance of Hegel's æsthetics by underscoring some elements of it which can help us to rethink the relation between æsthetic experience and the subject in his interaction with his world. The question of this essay is: how can æsthetic (...) experience be a substantial experience for the modern subject? (shrink)