Músicas em cinema são potências afetivas capazes de reconfigurar o espaço e promover novos universos sensíveis que mobilizam tanto os corpos em cena quanto os corpos dos espectadores. Buscamos no presente trabalho observar como se dão essas potências quando apropriadas por sensibilidades dissidentes. De que formas a música pode mobilizar afetos capazes de erigir um outro espaço, ou uma heterotopia dissidente. A partir de uma discussão sobre música, dança e heterotopia ligados à experiência estética, analisamos momentos musicais do longa-metragem (...) Tatuagem (Hilton Lacerda, 2013), observando de que formas os corpos em cena engendram performances que demonstram novas formas de agir ética, estética e politicamente frente ao mundo e suas normas. (shrink)

Queer cinema takes shape between experimental film, the intimate diary form, art video, documentary, dream fiction, recording and militant video-tracts. In the introductory article, we address several dimensions of this creation : one reflects a practice in queer art according to localized experience, as in the films of Hervé Guibert, David Wojnarowicz, and Raphaël Vincent or the photographic work of Del LaGrace Volcano, based on the experience of AIDS or trans-identities. Another dimension is the attempt to constitute (...) a sexual cinema, with Hans Scheirl or Maria Beatty : these are explorations of an exploded, « de-gendered » body, which directly connects moving images to chemical and bodily transformations, inner mental sensations, jouissance and deterritorialized sexual practices. Lastly, we discuss in more general terms the emergence of a queer cinema which serves as a site for the elaboration of a counter-cinema, a withdrawal from cinema which casts a hegemonic gaze on subaltern political subjects. The documentary genre is then hollowed out from within by this decolonizing gesture. (shrink)

Os corpos no cinema estão sob a ordem de um olhar soberano que nos diz para onde devemos olhar e como devemos fazer isso. É um olhar poderoso que tudo sabe e tudo pode. Um olhar que nos posiciona não como simples espectadores, mas como sujeitos. É a partir daí que buscamos compreender como se arquitetam o medo, ou seja, qual é a ordem do cinema de horror, tecido com a pena do medo? Nessa arquitetura, os corpos aparecem (...) como lugares para vigiar e punir em espaços utópicos e heterotópicos. Espaços de memórias. Espaços de poder vigiar e punir. Espaço onde se impõe uma posição de sujeito, um poder sobre o sujeito. Portanto, os corpos no cinema de horror são artefatos para uma arqueologia do medo, escrita pelo poder do horror sobre estes corpos. Daí nosso interesse por esses lugares. Para demonstrar essa arqueologia, utilizaremos dois filmes franceses, produzidos em 2007, Frontière(s) e À l’interieur como espaços de horror construídos para o medo pelas vias da utopia e heterotopias pensadas por Michel Foucault, filósofo do presente, do nosso presente para compreender como se arquitetam tal medo por meio de sua história arqueológica, prática de um espaço chamado Labedisco/UESB. (shrink)

This paper considers the potential of impasses within cinematic assemblages and the pedagogy of cinema to expand the possible horizons of Black queer youth. Black queerness in film provides pedagogical tools for exploring the limits of the category of queer. Both Barry Jenkins’s Moonlight and Dee Rees’s Pariah counter uncritical narratives of pathology, and are research data in their explorations of affective dimensions of gender, sexuality, race, poverty, and love through moving-images and sound. After situating the context (...) of Moonlight, Pariah, and modern-day America within readings of antiblackness and heteronormativity, we explore the pedagogical work of affect and the impasse in film to make worlds differently. Through reading the impasses within Moonlight and Pariah with these concepts, we re/view how isolation, vulnerability, Blackness, and queer feeling entangle toward investment in the possible, but largely unimaginable, futures in a moment overwhelmed by queerphobia and antiblackness. In so doing, the pedagogy of cinema employed maps our collective potential to remake our moment. (shrink)

Given the resurgence of scientific studies on the etiology of homosexuality in the wake of the AIDS epidemic, this article considers the effects these studies had on contemporaneous queer filmmakers. By using the subject of criminality as a way to talk about homosexual causality, queer films of the 1990s illustrate that contemporary scientific studies on homosexuality were historically and politically situated in relation to cultural anxieties about other forms of deviance. This article focuses on films that dissect the (...) hetero-normative tendency to amalgamate forms of deviance in order to distinguish between the diseased and the healthy. Such products of New Queer Cinema highlight this amalgamation of criminality and homosexuality in order to challenge demands by the LGBT community of the 1980s and 1990s for “more positive images” in film. This article argues that queer filmmakers have manipulated the image of the queer criminal to usurp the medical tendency to biologize and pathologize the notion of queer transgression. In such a way, queer films that enthusiastically dramatize the queer outlaw perpetuate myths about homosexuality in order to dissect and discredit them. (shrink)

Neste capítulo, vamos tratar do discurso-corpo demarcado pelas utopias em justaposição com as heterotopias em duas produções cinematográficas do horror francês contemporâneo. Dessa forma, o corpo que operamos é feito de discurso, ou seja, todo seu tecido, seus órgãos, seus sistemas, seus ossos são discursos sobrepostos pelo visível e pelo dizível, da mesma forma, como demonstrou Foucault na obra O Nascimento da Clínica em 1963.

This article examines the breathing and breathless body in Camille-Vidal Naquet’s Sauvage. Respiration has been characterised by Peter Sloterdijk, in the first volume of his Sphären trilogy, as the first extension of the womb. The air we breathe is a “nobject” that escapes the subject-object relation, like the placenta before it. Sauvage engages the respiratory, alongside the placental and the acoustic, as three pre-oral “nobjects” for exploring what Leo Bersani has termed the body’s “somatic receptivity”. Duration, framing, lighting, and camera (...) movements cultivate a spectator’s receptivity to these “nobjects” and participate in acts of sphere formation. This provides a framework for thinking about how cinema itself might function as a “nobject”: a connective medium or sphere that supports and augments a subject, providing a field of protection and attention. However, the film’s presentation of breathlessness also signals a blocked receptivity, an inability to take in, introducing friction and resistance to the discourse of immediacy and exchange that characterises philosophical reflections on breath. Breathlessness has implications for thinking about bodily autonomy and forms of freedom that speak to the queer politics of Sauvage, as well as questions about movement and stillness, animation and lifelessness, that reflect back on the medium of film itself. (shrink)

How do we identify the "queer auteur" and their queer imaginings? Is it possible to account for such a figure when the very terms "queer" and "auteur" invoke aesthetic surprises and disorientations, disconcerting ironies and paradoxes, and biographical deceits and ambiguities? David A. Gerstner traces a history of ideas that spotlight an ever-shifting terrain associated with auteur theory and, in particular, queer-auteur theory. Engaging with the likes of Oscar Wilde, Walter Benjamin, James Baldwin, Jean Louis Baudry, (...) Linda Nochlin, Jane Gallop, Cáel Keegan, Luce Irigaray, and other prominent critical thinkers, Gerstner contemplates how the queer auteur in film theory might open us to the work of desire. Ultimately, Queer Imaginings is a journey in shared pleasures in which writing for and about cinema makes way for unanticipated cinematic friendships."--Page 4 of cover. (shrink)

Yetta Howard's queer-radical monograph Ugly Differences: Queer Female Sexuality in the Underground presents in its four chapters and conclusion a critical discussion of queer radicality in underground art productions. The chapters engage with Slava Tsukerman's camp cult movie Liquid Sky, Sapphire's poetry, Roberta Gregory's and Erika Lopez's comics, A. L. Steiner and Narcissister's collaborative art installation Winter/Spring Collection, and New Queer Cinema's High Art. In this volume, Howard unearths a spectrum of aesthetic pleasure derived from (...) survival and self-destruction, to tragic romance and kink intimacies. In all the material that Howard chooses for her discussions, “ugliness” enacts a powerful, political premise, which makes this book not only a captivating manifesto of queer punk aesthetics but also a thoughtful exploration of the importance of subcultural, queer-feminist politics antagonizing the norms of mainstream LGBT inclusion politics and homonormative pink-washing tendencies. Ultimately, as the key term of this volume, “ugliness” unfolds in the chapters, specifically in the analogy of three textual elements: as the “disagreeable and pejorative traits” conventionally attributed to queerness (2); a critique of the abjection and stigmatization of all bodies outside of the Western norms of white, able-bodied, cis masculinity (2); and third, as the angry, creative, punk, and anti-aesthetic textual practices of subcultural queer life (2). (shrink)

Victor Fan's dialogue between Buddhism and Euro-American philosophy is the first of its kind in film and media studies. From Chinese queer cinema to a reexamination of Japanese master Ozu's work and its historical reception to Christian Petzold's 2018 existential thriller Transit, Cinema Illuminating Reality forges a remarkable path between Buddhist studies and cinema studies, casting vital new light on both of these important subjects.

Passant du cinéma d’animation pour enfants (en suivant les exemples de films comme Chicken Run et Le monde de Nemo ) aux artistes queer contemporaines qui ont embrassé l’échec comme un style à part entière, Jack Halberstam part à la recherche de modèles de parentés, d’alliances et de communautés pour faire alternative au monde néo-libéral et à l’idéologie du succès qui en façonne les subjectivités. Cette idéologie se déploie notamment au travers des multiples injonctions à « réussir » dans (...) les différents aspects de la vie sociale : il faut produire, accumuler et se reproduire – autant de maillons dans la chaîne de (re)production du capital. Dans The Queer Art of Failure, Halberstam propose une méthode de déviance joyeuse par rapport à cette idéologie du succès : « d’abord, résister à la maîtrise » ; « ensuite, privilégier la naïveté et l’absurdité (la stupidité) ». (shrink)

The first issue this essay examines is the articulation of the cinema of the body, the feminine gestus, and the ‘political cinema’, which begins with the philosophical shout, ‘Give me a body, then!’ and ends with the ‘Third World Cinema’ as a cinema of memory. How is this Deleuzian concept in tension with the one proposed here of ‘missing body’? The second issue concerns the importance of the body for theory and practice within feminist film theory (...) and queer theory. The question of the body is introduced in-between these two lines in the context of a series of Latin American documentaries. The final problem is then how to see and show a body that is missing, like an outside of the body image, and of a certain regime of the visible and the audible that tends to be fixed in topics by the production of technologies of memory. (shrink)

Muslim migrants are the counter-figures through whom the modern Western identity is shaped. In Islamophobic discourses, they are constructed as inherently sexist and homophobic. In this ideological context, queer migrants coming from Muslim countries occupy an intersectional social location between Islamophobia and homophobia. In this paper we analyze the cinematic representation of queer migrants living in Europe coming from Muslim backgrounds. The aim of the paper is to analyze whether the films reproduce or subvert the Western “gay narrative”. (...) The corpus of analysis is made up of 19 films which were studied through a process of categorization of the relevant fragments in a matrix. The films are classified in three categories according to their approach. The first gathers those films that hold an assimilationist discourse, according to which queer migrants should embrace the Western “gay narrative” and abandon the values of the communities of origin. In the second category, the films propose a hybrid perspective in which characters merge elements from both the country of residence and the cultural background of origin in the exploration of their sexuality and gender. The films in the third category revolve around a metaphorical relationship between a queer migrant and a native person, promoting a reflection on the possibilities of transformative encounters that break the boundaries between supposedly opposed social groups. (shrink)

Film Manifestos and Global Cinema Cultures is the first book to collect manifestoes from the global history of cinema, providing the first historical and theoretical account of the role played by film manifestos in filmmaking and film culture. Focussing equally on political and aesthetic manifestoes, Scott MacKenzie uncovers a neglected, yet nevertheless central history of the cinema, exploring a series of documents that postulate ways in which to re-imagine the cinema and, in the process, re-imagine the (...) world. This volume collects the major European ÒwavesÓ and figures ; Latin American Third Cinemas ; radical art and the avant-garde ; and world cinemas. It also contains previously untranslated manifestos co-written by figures including Bolla’n, Debord, Hermosillo, Isou, Kieslowski, PainlevŽ, Straub, and many others. Thematic sections address documentary cinema, aesthetics, feminist and queer film cultures, pornography, film archives, Hollywood, and film and digital media. Also included are texts traditionally left out of the film manifestos canon, such as the Motion Picture Production Code and Pius XI's Vigilanti Cura, which nevertheless played a central role in film culture. (shrink)

O cinema, na mesma maneira da televisão, da prensa, e outros meios de comunicação, contribui na construção de imaginários sociais e culturais, como mostrou claramente o Bourdieu em Langage et pouvoir simbolique e o Chomsky em A Fabricação do Consenso. Contudo, o cinema a retratar fenômenos sociais, não somente constrói imaginários sino também constrói a criação de arquivos fílmicos e com eles permite construir e reconstruir uma parte da história. Essa é nossa posição, adoptando os postulados do Ferro, (...) do Kracauer e do Billard. Através a prisma da filosofia da história, o artigo pretende analisar em quê medida o cinema centro-americano contemporâneo pode ser considerado como uma forma de construção e reconstrução da memória e a história das migrações centro-americanas nas primeiras duas décadas do século XXI? (shrink)

Neste texto me aproximo de táticasde travessia do Mundo Ordenadopara o Mundo Implicado atravésda imagem cinematográfica, es-pecificamente das que emergemno contexto dos cinemas negrosno Brasil contemporâneo. Partin-do da filosofia de Denise Ferreirada Silva, aproximo-me das possi-bilidades de destruição do mundocomo o conhecemos e dos seuscárceres estéticos e analíticos,a exemplo dos engendrados porJoão Carlos Rodrigues no livro ONegro Brasileiro e o Cinema. Porfim, volto-me às imagens de Tra-vessia, filme de Safira Moreira,pensando como ele executa ges-tos de imageação de um Mundo (...) ede um Cinema Implicado. (shrink)

Through exploring transatlantic film history, this book uncovers the ways in which these men were presented in media and on screen, arguing that they carry with them, even in films made at the height of censorship, an appealing and attractive queerness. Owen-King expands on Eve Kosofsky Sedgewick's theory of homosocial/homosexual continuum and offer readings of film texts that use her theories to survey gender and sexual identities within Hollywood's Golden Era.

This article traces the historical becoming of the contemporary supersaturation of images of queer and transgendered Iran through the narrative and tropic devices introduced by filmmakers in the past twenty years. I argue that the censorship code enforced by the Ministry of Culture and Islamic Guidance is partly responsible for the formation of what has come to be a ubiquitous figure in the New Iranian cinema: the “cross-dressing” or “passing” figure. By performing close readings of Baran and Dokhtaraneh (...) Khorshid—two films that are exemplary of a subgenre organized around the “cross-dressing” or “passing” figure—I identify a “transgender move”: a temporary space of political and agential potential that many spectators—both domestic and diasporic—seek in the post 1990s New Iranian cinema. (shrink)

Nesse artigo nos interessa discutir as heranças da colonização histórica na América Latina, privilegiando um recorte que refletirá sobre o discurso estético como via de contestação das relações de dominação e poder advindas dos processos colonizadores. Para melhor iluminar tal perspectiva, retomaremos o debate decolonial contemporâneo, tomando suas observações como ponto de partida para contextualizar a política das imagens conformada pelo Cinema Novo, bem como o alinhamento das posições intelectuais do movimento àquelas do Modernismo. Após essa revisão, discutiremos brevemente (...) o gesto político endereçado por alguns filmes do cinema nacional recente, na figuração que propõem da alteridade. (shrink)

Esta antologia reúne uma reflexão sobre o cinema, revelando a diversidade de análises que têm marcado o pensamento sobre a experiência cinematográfica. O livro trata de grandes temas e de questões técnicas específicas - desde as explicações básicas dos cineastas do princípio do século até as sínteses e propostas estéticas do pensamento contemporâneo. Os textos são de expressivos pensadores do fenômeno cinematográfico do mundo inteiro como - Sergei Eisenstein, Luis Buñuel, Jean Epstein e Jean-Louis Baudry, entre outros.

Por meio de uma análise comparativa, este artigo investiga uma questão comum a cinco filmes brasileiros contemporâneos que tratam de relações entre classes sociais: o recurso do personagem invasor, figura que atua como elemento disparador dos conflitos da trama. Assumindo diferentes funções em Trabalhar cansa, Eles voltam, O som ao redor, Casa grande e Que horas ela volta?, a invasão, ao convocar noções espaciais, destaca a maneira como as relações de classe se apresentam fortemente territorializadas. O olhar desse corpo estranho (...) possibilita uma posta em perspectiva – que aqui observamos criticamente por meio de um exame tanto de componentes dramáticos (personagens e intriga) como de outros mais propriamente estéticos (planos e enquadramentos). (shrink)

Explorando a relação entre a memória e o cinema, principalmente, em Anti-Rétro, uma entrevista que Michel Foucault concedeu, em 1974, à revista Cahiers du Cinéma, esta obra vai tratar sobre a importância da memória no pensamento desse filósofo contemporâneo que morreu em 1984, apresentando ainda uma análise sobre o corpo em filmes de horror, em produções francesas. A Biopolítica também faz parte das discussões apresentadas neste trabalho. Boa parte da obra resulta da pesquisa de doutorado que o autor empreendeu (...) na Universidade Estadual do Sudoesta da Bahia e na França, onde realizou estágio doutoral em 2014, com bolsa da CAPES no Programa de Doutorado Sanduíche no Exterior. A obra de Foucault influenciou diretamente cada escrito que compõe esta coletânea. Ela é um convite para pensar com Foucault. Em outras palavras, o autor nos convida a entrar na ordem do pensamento de Michel Foucault por meio da memória e dos corpos em filmes franceses de horror, tratando-os sob o prisma da arqueogenealogia. (shrink)

O artigo parte do estabelecimento do campo do afroperspectivismo, em que se define um olhar posicionado, do ponto de vista etnico-racial, para se chegar à análise da Trilogia da Bicha Preta, curtas-metragens dirigidos por Juan Rodrigues, em formato de filme ensaio que desenvolvem o que se concebe como o cinema da negritude queer.

A relação entre filosofia e cinema está cada vez mais presente nas reflexões dos filósofos contemporâneos. Muitos deles escreveram livros que unem pensamentos filosóficos e análises fílmicas. Em geral, esta interdiscursividade lhes permitiu pôr na berlinda a concepção de imagem pressuposta tanto na filosofia como no cinema. Trata-se de examinar as teorias e a análise que Gilles Deleuze e Jacques Rancière fizeram de Vertigo, de Alfred Hitchcock, para entender a relação que ambos estabeleceram entre filosofia e prática fílmica (...) analítica. O objetivo final é problematizar as conexões entre imagem e narrativa, que se revelam nessa junção e que fazem parte da tradição filosófica e cinematográfica. Ao mesmo tempo, propomos uma análise que considere o texto e a linguagem cinematográfica a partir da imagem, subvertendo desta forma a abordagem tradicional. (shrink)

O presente trabalho é fruto de encontros com o Cinema, na Disciplina de Atividades Culturais, componente curricular do curso de formação de professores da Faculdade de Educação da Universidade Federal Fluminense. O objetivo consistiu em produzir Experiências Estéticas com as imagens-movimento da linguagem cinematográfica, para além das usuais formas didatizantes e utilitaristas de exemplificar conteúdos disciplinares. Apostamos na potência das imagens-movimento se constituírem Imagens-afecção, dispositivo estético acionador de relações entre pensamento e linguagem, de modo a contribuir para uma pausa (...) no tempo, possibilitando tempo para olharmos, com mais cuidado, as condições existenciais históricamente constituídas no mundo contemporâneo. Enfim, foi através do cinema como dispositivo sócio analítico e recurso metodológico na formação de estudantes de graduação em licenciaturas, que resultou esse artigo. A produção escolhida é um longa metragem de animação cuja história se desvela sob o olhar de uma criança diante da descoberta de um mundo contaminado pelas adversidades produzidas pelo contexto capitalista. Como suporte teórico nos debruçamos em autores que analisam o modelo político e socioeconômico capitalista e seus efeitos sobre a condição humana. Através de O Menino e o mundo, aluna e professora, procuram travar conversações a respeito de suas concepções acerca do campo educacional, do mundo do trabalho, do consumismo e da alienação decorrente dos atuais modos de produção. Vale enfatizar que o artigo em si, é resultante da abordagem metodológica da disciplina. (shrink)

Este texto discute a relação imagem/palavra no filme _O Processo do Rei_, de João Mário Grilo, pois acredito que aqui, a palavra ganha uma dimensão imagética e a imagem converte-se em narrativa. O Cinema, na sua origem, foi histórico, e há quem diga que ele sempre o é, apresenta, na sua própria urdidura, as marcas do seu processo de criação. Assim sendo, muitas vezes recorreu-se ao cinema para contar a História, recontá-la, exaltá-la, torná-la imagem para que ela possa, (...) novamente, ser discutida e quiçá, revivida. O grande problema que se põe ao cinema Histórico é: como recontar através de imagens em movimento um tempo que chegou até nós pela palavra e pelas imagens pictóricas? Como manter uma fidelidade imagética ao tema que se pretende retratar? Em alguns casos, o peso da história sufoca o próprio filme (vide algum cinema francês dos anos 40/50). Mais ainda, como ser ao mesmo tempo iconicamente fiel, mas profundamente contemporâneo, explorando aspectos eternos e cíclicos da própria História? O realizador João Mário Grilo conseguiu resolver esta equação em seu filme O Processo do Rei, de 1989, onde a palavra histórica vira imagem, fiel e infiel de um tempo que passou, mas cujo sentido continua profundamente presente. (shrink)

The memory of cinema -- The queer attractions of perceptual belief -- A virtual presence in space -- Harun Farocki's liberated consciousness -- The force of small gestures -- Epilogue: welcome to this situation.

La intención fundamental de la presente investigación es dar cuenta de la paradoja política que supone la identidad para la teoría crítica feminista, como lugar del que es necesario partir y como heterodesignación limitadora que queremos superar en parte. La identidad ha devenido un concepto clave para los feminismos contemporáneos: así, si el desde el diferencialismo se opta por un reforzamiento de la identidad femenina; desde la teoría queer se reclama la constante desestabilización de toda identidad. Queremos reivindicar, para (...) el siglo XXI, la necesidad de recuperar la idea ilustrada de un feminismo de la igualdad que beba de la tradición republicana, que parta de la identidad no como fin, sino como el comienzo necesario para un proyecto emancipatorio a la vez que sede de opresiones. Sostenemos que el feminismo de hoy debe atender a dos tareas fundamentales: (1) hacerse cargo de la paradoja de la identidad para la construcción de una subjetividad política feminista y (2) pensar las condiciones materiales, institucionales y simbólicas de la igualdad y la ciudadanía como aspiraciones a reivinidicar. (shrink)

"Building upon the wide range of selections and the extensive historical coverage that marked previous editions, this new compilation stretches from the earliest attempts to define the cinema to the most recent efforts to place film in the contexts of psychology, sociology, and philosophy, and to explore issues of gender and race. Reorganized into eight sections - each comprising the major fields of critical controversy and analysis - this new edition features reformulated introductions and biographical headnotes that contextualize the (...) readings, making the text more accessible than ever to students, film enthusiasts, and general readers alike. The seventh edition also integrates exciting new material on feminist theory, queer cinema, and global cinema, as well as a new section, "Digitization and Globalization," which engages important recent developments in technology and world cinema.". (shrink)

Mais do que nunca, pensar em comunicação significa pensar em imagens. Já se repetiu exaustivamente que vivemos em uma cultura imagética, marcada pela crescente proliferação de telas e tecnologias de produção audiovisual. E se passamos de regimes analógicos para digitais, isso só fez aumentar a vitalidade da imagem e multiplicar suas potencialidades. Nesse sentido, o presente número de Logos nos oferece uma amostragem da riqueza que também podemos encontrar hoje no campo das pesquisas sobre o audiovisual. O crescimento da pós-graduação (...) em comunicação no Brasil parece apontar para um futuro promissor em termos de exploração das artes e formas de comunicação audiovisuais. Os artigos aqui reunidos dão igualmente prova da força e da amplitude desse campo, congregando temáticas tão diversas quanto a relação entre o espectador e o documentário ou a cinefilia como forma de consumo contemporâneo. Ocorre que o audiovisual não é apenas um domínio de pesquisa de crescente popularidade na academia, senão também uma das mais poderosas expressões criativas e comunicacionais do homem, capaz de despertar as paixões mais intensas. Isso porque, desde sua origem, as tecnologias audiovisuais sempre se caracterizaram como artes do espanto e do maravilhamento. Numa das lembrança mais marcantes da minha infância, ainda consigo me ver na entrada de um dos belos cinemas da Tijuca (hoje inteiramente desaparecidos, mas tema do cativante estudo histórico de Talitha Ferraz) enquanto espero minha mãe convencer o lanterninha de que tenho mesmo 10 anos de idade – o mínimo exigido para poder assistir à 2001, uma Odisséia no Espaço , obra prima de Stanley Kubrick. Saí do filme sem entender grande coisa, mas inteiramente seduzido pelas impressionantes imagens do vasto espaço sideral e pela sedutora musica de Richard Strauss. Desde esse dia, o cinema se tornou, para mim, uma espécie de religião sem deus (ou com muitos deuses). Nessa cultura das telas em que hoje habitamos, as imagens parecem ter adquirido vida própria. Elas estão em toda parte, conferindo ao mundo certo sabor de permanente fantasmagoria. Aliás, tem sido um tema constante do pensamento apocalíptico esse processo de virtualização da realidade por efeito da multiplicação das imagens eletrônicas. Mas no fundo sabemos que nunca houve para o homem uma realidade que não fosse constituída por imagens. E as fantasmagorias, boas ou ruins, são aquilo que nos oferece suporte e sustentação para um mundo que, de outro modo, provavelmente se encontraria muito mais esvaziado de sentido. Se Edgar Morin inicia seu livro Le Cinema, ou l’Homme Imaginaire com a menção a duas grandes tecnologias legadas a nós pelo século XIX – o cinema e a aviação – é também porque as imagens nos transportam a outros mundos, nos alçam em vôos da imaginação e do pensamento. Da fotografia à arte digital, do televisão ao político, os artigos que reunimos neste numero de Logos compartilham, de diferentes modos, desse sentido de maravilhamento com as imagens. Afinal, elas acrescentam ao mundo uma dimensão suplementar de sentido. Mesmo o extraordinário impacto das imagens digitais, percebido com clareza no êxito de blockbusters tecnológicos como o recente Avatar , de James Cameron, não alteraram esse dado básico de nossa experiência com o audiovisual. De certo modo, é como se estivéssemos ainda nos sentando na sala escura para nos maravilharmos com a ilusão do movimento, lado a lado com os espectadores dos primeiros filmes dos Lumière e de Méliès. Mesmo a pesquisa e a investigação critica do audiovisual não podem furtar-se inteiramente dessa sensação de espanto com as imagens. Um saber que não é temperado pela paixão não tem sentido de existir. E sem uma pincelada de olhar infantil, o que nos poderia ensinar de sempre novo nossa curiosidade com o mundo e nossas estratégias de representá-lo? (shrink)

Contributors use a variety of theoretical frameworks to analyze distinct areas of Craven’s work, including ecology, auteurism, philosophy, queer studies, and trauma. Scholars of cinema studies, horror, and ecology will find this book of particular interest.

Esta pesquisa empreende um estudo acerca das formas de enunciar o medo em produções fílmicas de horror; ou seja, busca-se, por meio da arqueogenealogia foucaultiana, analisar o enquadramento do medo nas imagens em movimento que foram produzidas para compor a estrutura dos filmes de horror; precisamente, busca-se analisar os modos de produção do corpo contemporâneo demarcado pelo horror nestas imagens. Desta maneira, o objetivo deste trabalho é contribuir com a (re)criação da história dos modos como os medos contemporâneos estão na (...) ordem da constituição dos modos pelos quais os seres humanos se tornam sujeitos nesta época do simultâneo, da justaposição, do próximo, do longínquo, do lado a lado, do disperso. É um empreendimento de inspiração foucaultiana na medida em que operamos com alguns elementos de sua maquinaria teórica tais como: dispositivo; acontecimento discursivo; discurso e enunciado. É justamente no trabalho de Foucault que encontramos, no dizer de Dreyfus e Rabinow, o mais importante esforço contemporâneo não só para desenvolver um método de se estudar os seres humanos, como também de diagnosticar a situação atual de nossa sociedade. Nestes empreendimentos, o corpo aparece como “um protagonista incontornável e multiforme” seja nas pesquisas arqueológicas, seja nas pesquisas genealógicas. Aqui, procura-se articular as reflexões destes empreendimentos realizados por Foucault com o trabalho de Metz em A significação no Cinema com a semiologia de Roland Barthes. (shrink)

Há um diálogo entre os estudos antropológicos e literários não só porque a literatura está dentro do âmbito da antropologia cultural, mas também porque a literatura de um povo reflete substancialmente os aspectos da sua cultura e sua visão de mundo. Este trabalho investiga as representações de classe, raça e relações raciais em “O Romance d'A Pedra e o Príncipe do Sangue do Vai-e-Volta”, um romance do autor brasileiro contemporâneo, Ariano Suassuna (1927). Em primeiro lugar, pretende-se demonstrar como a representação (...) de Suassuna da cultura popular reflete classe, raça e relações raciais sociais em uma área particular do Brasil, o Nordeste, tradicionalmente rural. Posteriormente, investigar como a comunicação de massa, especialmente os veículos culturais de televisão e cinema, utiliza a literatura para tentar mudar ou espalhar e perpetuar atitudes racistas e formas de pensamento. Mesmo que estudos modernos tenham mostrado que o conceito de "raça" é uma construção cultural e uma falácia, a literatura e a cultura de massa exploram identidades deliberadas com base em estereótipos recebidos. Os debates linguísticos e culturais de uma cultura e país racialmente híbrido, como o Brasil, não podem deixar de considerar os conceitos de "raça" e "grupos étnicos", pois o Brasil é um país que herdou as tipologias de classe, cor e preconceito patriarcal e agrário baseadas em colonialismo português (Ribeiro, 1995). Esses debates se refletem na cultura popular de maneiras particulares; são capturados em formas eruditas de cultura, como literatura, e são então apropriados pela mídia e televisão. As obras de Suassuna podem ser vistas como um recurso valioso deste debate, apontando para questões de assimilação ou segregação de raça e / ou poder de classe, e influência, boa ou ruim, tolerância e preconceito. Observa-se o impacto de seu trabalho não só através da literatura, mas também através dos meios de comunicação. (shrink)

Desde el surgimiento del cine, la filosofía ha estado presente en la creación de las películas como un elemento imprescindible que acompaña a la expresión audiovisual y el lenguaje narrativo de los films. Sin embargo, el cine ecuatoriano no cuenta con un método específico de análisis filosófico de las problemáticas que tratan las películas. Es por ello que, en este estudio, se estableció el objetivo de desarrollar una propuesta metodológica de análisis filosófico mediante una revisión bibliográfica y cinematográfica para conocer (...) las incidencias filosóficas en el cine ecuatoriano/contemporáneo. Para lo cual, se implementó una metodología cualitativa, basada en una teoría fundamentada y una revisión bibliográfica, teórica y cinematográfica sobre la constitución del método de análisis y la relación entre filosofía y cine. En este sentido, se llegó a concluir que el cine ecuatoriano contemporáneo necesita de una propuesta metodológica para su análisis filosófico, debido a que, las problemáticas abordadas tienen fundamental importancia para conocer las condiciones sociales, económicas, políticas, psicológicas, éticas y morales que atañan a los individuos de la sociedad ecuatoriana. (shrink)

In lieu of an abstract, here is a brief excerpt of the content:Feminist Studies 42, no. 3. © 2016 by Feminist Studies, Inc. 689 Elizabeth Jean Hornbeck Who’s Afraid of the Big Bad Wolf?: Domestic Violence in The Shining At first glance, Stanley Kubrick’s 1980 film The Shining seems to be a straightforward Gothic horror film. It starts with the Torrance family— Jack, Wendy, and Danny—moving from their Boulder, Colorado, apartment into the Overlook Hotel, where Jack (Jack Nicholson) has accepted (...) a job as the winter caretaker. By the film’s climax, an axe-wielding Jack says to his terrified wife and son (Shelley Duvall and Danny Lloyd), through the door to the bathroom where they are hiding, “Little pigs, little pigs, let me come in. Not by the hair on your chinny chin chin? Then I’ll huff and I’ll puff and I’ll blow your house in!”1 Jack assumes the role of the Big Bad Wolf, the nightmarish, predatory beast of fairy tales. These lines, along with Nicholson’s exaggerated performance as a crazed killer, parody the Gothic horror genre and slasher films and even children ’s fairy tales in what is, at its core, a story about domestic violence. In both Kubrick’s film and Stephen King’s 1977 novel, from which the film was adapted, the Gothic genre becomes a vehicle for a serious tale about violence within the family. The “discovery” of child abuse in the 1960s, “the creation of the wife-beating problem” in the 1970s, and 1. The Shining, directed by Stanley Kubrick (1980; Warner Home Video, 2007), DVD. The line is from the fairytale of The Three Little Pigs. Geoffrey Cocks discusses the sources and ramifications of the fairytale in The Wolf at the Door: Stanley Kubrick, History and the Holocaust (New York: Peter Lang Publishing, Inc., 2004), 33–38. 690 Elizabeth Jean Hornbeck the feminist movement allowed viewers to perceive domestic violence with a new level of understanding.2 It is my contention that The Shining comments on domestic violence in a way that has been mostly overlooked by critics. While most analyses of both the novel and the film have come from literary and cinema studies perspectives, I offer a sociological approach focused on the profound effect of changing social mores on cultural production. I draw also on feminist and queer theorizing of audience identification, gender, and erotic pleasure in horror films to explain the significant contributions made by King, Kubrick, Duvall, and screenwriter Diane Johnson to the film’s intervention in US public discourse about domestic violence.3 The first scholar who argued that Kubrick’s film is essentially a domestic abuse narrative was James Hala, who based his analysis on a close reading of critical reviews of the film and a discussion of the performances, with no reference to its social, political, or historical context.4 But it is important to note that both the novel and the film came at the end of a decade when the recognition of domestic violence as a social problem was still relatively new. Sociologists and the medical and legal professions did not take “wife beating” seriously until the mid-1970s, when the women’s movement brought public attention to spousal abuse.5 2. Kathleen J. Tierney, “The Battered Women Movement and the Creation of the Wife Beating Problem,” Social Problems 29, no. 3 (1982): 207–20; Stephen J. Pfohl, “The ‘Discovery’ of Child Abuse,” Social Problems 24, no. 3 (1977): 310–23. 3. The theoretical works that I have drawn on most heavily are Carol J. Clover, Men, Women, and Chain Saws: Gender in the Modern Horror Film (Princeton, NJ: Princeton University Press, 1992); and David Greven, Representations of Femininity in American Genre Cinema: The Woman’s Film, Film Noir, and Modern Horror (New York: Palgrave Macmillan, 2011). 4. James Hala, “Kubrick’s The Shining: The Specters and the Critics,” in The Shining Reader, ed. Anthony Magistrale (Mercer Island, WA: Starmont House, 1990), 203–16. 5. In 1976, a national survey reported that “at least 1.8 million American women are severely beaten in their own homes every year.” Murray A. Straus, et al., Behind Closed Doors: Violence in the American Family, as cited in “‘The Burning Bed’: TV... (shrink)

A diversidade do pensamento filosófico sobre as transformações modernas e contemporâneas que cercam a produção artística desdobra-se nos quinze textos que compõem o livro, os quais abordam os mais variados gêneros: cinema, poesia, escultura, pintura e fotografia. Além disso, os textos dialogam ora com autores consagrados - de Winckelmann e Schelling a Benjamin e Rancière -, ora com os próprios artistas - de Glauber Rocha a Joseph Kosuth - e ora com contextos socioculturais mais amplos - desde o capitalismo (...) estético até a estética dos gêneros. Os principais problemas filosóficos que balizam a história da estética e se mantém no cerne dos debates modernos e contemporâneos atravessam esta coletânea: temas tradicionais como a educação do gosto, o conceito de beleza, o princípio da imitação da natureza e a relação entre aparência e verdade são atualizados com acuidade. Temas fundamentais do século XX como a autonomia da arte, o papel da arte na invenção de um povo, a liberdade e a experiência estética, a perda da materialidade das obras de arte e a função da crítica de arte também recebem atenção cuidadosa. Temas que dialogam diretamente com a situação atual das artes são igualmente contemplados, como a subsunção da arte pelo consumo, o possível caráter transgressor e revolucionário do gesto artístico e o papel das imagens na contemporaneidade. (shrink)

O presente artigo se propõe a analisar os desvios de expectativa acerca da transição de gênero realizados por dois autores estadunidenses - Thomas Page McBee e Janet Mock - na feitura de suas autobiografias: "Man alive” (2014) e “Amateur” (2018); “Redefining realness” (2014) e “Surpassing certainty” (2017). Através de análise documental e informado por estudos queer e trans, este trabalho se debruça sobre os empreendimentos levados a cabo pelos autores para estranhar e desafiar o lugar de conquista e estabilidade (...) socialmente atribuídos ao fim de sua transição. Investigo a partir do exame de seus caminhos narrativos os modos distintos como o lugar de chegada atribuído pelo regime discursivo cisnormativo contemporâneo – por exemplo, a assimilação a um pressuposto de permanência identitária e apagamento da trajetória, e a adesão a modelos unívocos de hombridade e mulheridade “de verdade” – é transformado em um dispositivo de desorientação acionado de modo a questionar a própria cisnorma e seus padrões estabelecidos de trajetória de vida. Nessa costura, categorias específicas são examinadas por autôries, e tal exame conduz seu argumento: passabilidade; transição; homem/mulher “de verdade” (e os papeis que cada um deles abrange). (shrink)

In una fase della teoria del cinema e dei media, come quella attuale, che appare segnata da un dibattito sempre più intenso sul significato e sulla portata di nozioni come quelle di medium e dispositivo, riprendere l’opera di autori come Dziga Vertov e Sergei M. Ejzenštejn, Siegfried Kracauer e Walter Benjamin, può risultare una via produttiva non solo nel tentativo di situare in una prospettiva storica il dibattito contemporaneo, ma anche di trovare nuove modi di pensare le nozioni citate (...) di medium e di dispositivo. Nel presente studio, l’autore esamina la riflessione di Ejzenštejn riguardo al dispositivo cinematografico come assemblage – flessibile, dinamico e in evoluzione – di tecniche, spazi e operazioni, concentrandosi su due momenti cruciali della sua lunga e complessa carriera: la conferenza The Dynamic Square tenuta a Hollywood nel 1930, e il progetto per film rimasto incompiuto e intitolato Glass House, presentato quello stesso anno alla Paramount. In entrambi i casi, Ejzenštejn considera lo schermo – una delle componenti cruciali del dispositivo cinematografico – come allo stesso tempo condizione senza la quale le immagini proiettate non possono essere visualizzate, come superfice di dimensioni e forme variabili, e come luogo di una serie di sperimentazioni sul montaggio e sullo spazio cinematografico, che in Glass House mette in luce le implicazioni estetiche e sociali di uno spazio completamente trasparente. (shrink)

Resumo: Os monstros ocupam um lugar de destaque no ambiente da cultura contemporânea, especialmente no cinema. O objetivo desse artigo é compreender os motivos dessa presença marcante. Em primeiro lugar, podemos observar que os monstros indicam os limites morais e epistemológicos da modernidade. Entretanto, os monstros contemporâneos têm se tornado mais sutis, interiorizando-se ou espiritualizando-se. Podemos notar, então, que eles passaram a representar a potência humana para assumir qualquer vida efetiva – ou a liberdade, entendida como pura indeterminação. Por (...) meio da figura dos monstros, o homem constata sempre que pode ser muito mais do que é. Dessa forma, os monstros nos permitem apreender um dos dilemas centrais da cultura contemporânea: como nós conseguiremos resolver a diferença entre o que somos, aqui e agora, e todas as possíveis vidas humanas que podemos vir a adotar em um processo de autoaperfeiçoamento? (shrink)

Merleau-Ponty decía que nuestra relación con el mundo se sitúa en el orden del «misterio insoluble». Es la invisibilidad de los dioses lo que garantiza la visibilidad del mundo. Este verso invisible –«le Dieu caché», «Dieu insondable», «Être muet», «arrière-silence», «membrure cachée», en términos merleau-pontianos– es la textura misma del recto visible. En el cine extremo o visionario este lenguaje aparentemente antitético no está menos presente para expresar eso que excede a toda visibilidad. Voyance (Merleau-Ponty) que emerge de los légamos (...) de lo invisible pero que no es lo contrario de la vista: «vision [est] ek-stase...», una visión en la que el mudo Ser revela su propio sentido. Así pues, lo invisible no es lo opuesto absoluto de lo visible sino más bien, como dice Merleau-Ponty, su «contrapartida secreta» sin la cual no podría existir la visibilidad. Asimismo, según Derrida, la imagen cinematográfica tiene una estructura fantasmática, está suspendida entre la presencia y la ausencia, pues la invisibilidad determina la lógica de las imágenes. El cine es un ojo, pero sólo ve bien cuando también se relaciona con ese ojo interior que es el de la «visión» de los visionarios. Igualmente, para Jean-Luc Godard, uno de los cineastas más relevantes del cine contemporáneo, la imagen real es la que no vemos. Lo que se ve en el filme tiene menos importancia que lo invisible. Violencia del mirar, desvelamiento de otra luz, que restituye la imagen de lo sagrado. (shrink)