The article focuses on the theme of the “End of Art” in the philosophy of Arthur C. Danto, a concept he developed in his writing in the mid-1980s. Departing from the historical framework developed since Analytical Philosophy of History (1965) and adopting an interpretive Hegelian approach to the construction of history, Danto’s thought grapples with several contradictions. These contradictions encompass the notion of the “End of Art”, ultimately leading to a reduction of art to an idealized level. Consequently, this highlights (...) the irreconcilability between Essentialism and Historicism, furthering the philosophical disenfranchisement of art. (shrink)

In The Transfiguration of the Commonplace (1981) Arthur Danto propone la nozione di «stile individuale» identificando quest’uldma con qualcosa di dato che appartiene all’artista in maniera essenziale e inseparabile. In contrasto con questa idea, la sua teoria della fine dell’arte, presentata in After the End of Art (1997) e altrove, suggerisce la liberazione degli artisti da qualsiasi impegno stilistico. Come si accordano queste due teorie? Possono esserci stili individuali dopo la fine dell’...

1 Il primo inganno Tu non nascesti per la morte, immortale Uccello!le affannate generazioni non ti calpestano;la voce ch’io odo in questa fuggevole notte fu uditain antichi giorni dall’imperatore e dal villano. Questi versi dall’ Ode a un usignolo di John Keats, del 1819, ripropongono la domanda retorica che già Kant aveva posto nel 1790: «Che cosa c’è di più celebrato dai poeti dell’affascinante bel canto dell’usignolo, in cespugli solitari, in una calma sera d’estate, sotto la dolce luce de...

Danto’s philosophy of history of art has undergone several transformations. It is possible to distinguish three “phases”: in the first, history is considered an a posteriori construction (see Analytical Philosophy of History). In the second phase, history becomes an internal development within art itself. In this case, with the end of history, art dissolves into its own philosophy (see The Philosophical Disenfranchisement of Art). In the third phase, history is still an internal development, but now, with the end of history, (...) art and philosophy become independent of each other (see After the End of Art). This essay focuses on two issues: first, on the difficulties of an art history after the end of the history of art; secondly, for what reasons Danto claims that the history of art is ended. Danto has explained the “political” reasons for this choice, namely the attempt to free art from the repressive and disenfranchising moves of philosophy. This essay aims to outline the epistemic reasons: the history of art “must” end, because only on this condition is an essentialist definition of art really possible. (shrink)

This article compares two philosophers who have a different theoretical origin: respectively, Arthur C. Danto and Jean-François Lyotard. Both of them are interested in the revolutionary character of Andy Warhol’s art. Danto as well as Lyotard argues that Warhol conceives the work of art as a machine: according to the former, it is a philosophical machine; according to the latter, it is a consumerist machine. Nonetheless, the two hypotheses converge on judging Warhol’s art as a turn in the history of (...) art and its relationship to the world. According to Danto, who follows Hegel here, Warhol at the same time interprets and transcends the 1960s and their Zeitgeist. But paradoxically, Warhol’s historical gesture, epitomized by his work Brillo Box, initiates the age of the “end of art”. According to Lyotard, on the contrary, Warhol represents the end of the critical power of modern art, to which the sublime alone can remediate. The two perspectives converge in the idea that the investigation of repetition is the very center of Warhol’s art. Art has now become the pivot of the Western capitalism and consumerist society. Warhol actually explores the different forms and modes of repetition (commodities, icons, symbols) and, in this way, anticipates the confrontation of contemporary art with the “finite infinite” represented by the media world. (shrink)

Nel tentativo di superare l’alessandrinismo, una parte della cultura borghese occidentale ha prodotto qualcosa di mai visto prima d’ora: la cultura dell’avanguardia. Essa è stata resa possibile da una superiore consapevolezza della storia, e più precisamente dalla comparsa di un nuovo genere di critica della società, la critica storica. Clement Greenberg, Avant Garde and Kitsch Le avanguardie appartengono al passato. Con il rischio di un paradosso che vorrei annotare all’inizio di queste rifl...

Dans ce travail, nous tentons de démontrer que l’interrogation merleau-pontienne sur l’art s’ordonne selon trois mouvements spéculatifs distincts et successifs. Dans les années quarante, l’élaboration d’une phénoménologie de la perception conduit Merleau-Ponty à aborder l’art à partir de l’oeuvre d’art et du sujet percevant qui la reçoit, c’est-à-dire du spectateur. Au début des années cinquante, cette phénoménologie de l’oeuvre d’art et de la perception esthétique fait place à une philosophie de l’expression. Le point de départ du questionnement artistique change : (...) il est, non plus le sens exprimé, mais l’acte expressif ou créateur. La signification de l’oeuvre d’art se voit dès lors ressaisie à partir du sens d’être de l’artiste : l’oeuvre est une réponse aux manques perceptifs de l’artiste. À la fin des années cinquante, le cheminement merleau-pontien connaît un tournant ontologique. Merleau-Ponty en vient à régresser en-deçà de l’artiste, vers l’Être même, lequel s’impose finalement comme le créateur véritable. La dernière philosophie de l’art merleau-pontienne prend dès lors les allures d’une traditionnelle philosophie de l’inspiration.In this work, we undertake to demonstrate that the merleau-pontian inquiry into art orders itself according to three distinct and successive speculative movements. In the 1940s, the elaboration of a phenomenology of perception led Merleau-Ponty to approach art starting from the work of art and the perceiving subject who receives it, the spectator. From the beginning of the 1950s, this phenomenology of the work of art and aesthetic perception gave way to a philosophy of expression. The point of departure for artistic questioning changes: it is no longer the meaning expressed, but the expressive or creative act. The signification of the work of art sees itself from this moment understood starting from the meaning of being for the artist: the work is a response to perceptive omissions of the artist. At the end of the 1950s, the merleau-pontian progress of thought experiences an ontological turning. Merleau-Ponty wants to regress below the artist, toward Being itself, which imposes itself finally as the true creator. The last merleau-pontian philosophy of art takes from this moment the aspects of a traditional philosophy of inspiration.In questo lavoro cerchiamo di mostrare come l’interrogazione merleau-pontiana attorno all’arte si dispieghi secondo tre movimenti speculativi distinti e successivi. Negli anni Quaranta l’elaborazione di una fenomenologia della percezione porta Merleau-Ponty a esaminare l’arte a partire dall’opera e dal soggetto percipiente che la fruisce, ossia dallo spettatore. All’inizio degli anni Cinquanta, tale fenomenologia dell’opera d’arte e della percezione estetica cede il passo a una filosofia dell’espressione. Il punto di partenza dell’interrogazione artistica cambia: non è più il senso espresso, ma l’atto espressivo o creativo. Il significato dell’opera d’arte è quindi ricompreso a partire dal senso d’essere dell’artista: l’opera è una risposta alle lacune percettive dell’artista. Alla fine degli anni Cinquanta assistiamo a una svolta ontologica nell’itinerario merleau-pontiano. La ricerca di Merleau-Ponty ci conduce al di qua dell’artista, verso l’Essere stesso, che s’impone infine come l’autentico creatore. L’ultima filosofia dell’arte merleau-pontiana assume i contorni di una tradizionale filosofia dell’ispirazione. (shrink)

Gianni Vattimo ha elaborato l’estetica e la teoria dell’arte del «pensiero debole» soprattutto in alcuni articoli pubblicati nella «Rivista di Estetica» (della quale è stato direttore). Parte di questi saggi è stata poi raccolta nella seconda sezione di una delle sue opere centrali, La fine della modernità, sezione intitolata, significativamente, La verità dell’arte. Le diverse questioni discusse da Vattimo sono infatti attraversate dal filo conduttore del problema della verità dell’arte, nell’epoca del nichilismo, della fine della (...) storia e del mondo estetizzato dei mass media. Attraverso una lettura teoreticamente produttiva di M. Heidegger e F. Nietzsche, ma anche – come si vedrà – di certe pagine kantiane, e al contempo “indebolendo” l’ermeneutica di H.-G. Gadamer (ma anche quella di L. Pareyson),Vattimo affronta la questione dell’arte, della sua verità, del suo significato, del suo statuto ontologico, mettendo anzitutto in questione la domanda “che cos’è l’arte?” che molti studiosi, sia in ambito “analitico”, sia in ambito “continentale”, pongono al centro della riflessione estetica. Ha infatti senso, oggi, chiedersi «che cos’è l’arte?», cercando di fornire una definizione che restituisca l’ontos on, l’essenza dell’arte? O è proprio il fatto di presumere la possibilità di offrire una definizione a costituire il vero problema, in quanto tale assunzione presuppone già un determinato modo di pensare il mondo, modo di pensare che, storicamente, si è costituito come la metafisica occidentale? E se nel post-moderno la metafisica occidentale viene decostruita da un pensiero e da prassi vitali che ne mettono in crisi le griglie concettuali, ne sovvertono gli ordini e le tassonomie, esibendone così l’infondatezza, com’è possibile definire, pensare e praticare l’arte e l’estetica, che sono categorie impiantate solidamente nelle strutture della metafisica? (shrink)

While Hegel’s influence on Arthur Danto has been examined in relation to specific parts of his thought, an overall analysis of said influence is still wanting. In this article, I analyze the presence of Hegelian influence in Danto’s complete thought from three perspectives: (1) Danto’s acceptance of Hegelian assumptions when it comes to the conception of history, narrative realism and historical progress, which allows him to combine timeless essentialism with historicism, (2) the cognitive aspect of art and the conception of (...) art as an embodied symbol, as well as the historical quality of said embodiment, and (3) the assumption that art’s trajectory coincides with the Hegelian prophecy that art will give way to philosophy, on which Danto’s “end of art” thesis is based. This examination not only illuminates the interrelation between the different parts of Dantian philosophy, but also reveals its systematic character. (shrink)

Prendendo le mosse dall’esame del ciclo pianistico Quatre études de rythme, di Olivier Messiaen , scritto fra il 1949 e il 1950, l’articolo delinea un sintetico confronto fra due differenti espressioni dell’arte musicale. Da un lato una composizione della metà del Novecento: repertorio profano, strumentale, frutto di concezioni individuali, testimonianza della fase post-tonale del pensiero musicale. Dall’altro la monodia gregoriana: repertorio sacro, vocale, anonimo, che esprime concetti formali pre-tonali. Occasione di tale raffronto è l’indagine sulla portata concettuale e tecnica (...) di termini chiave come “modo” e “neuma”, che Messiaen mutua dalla teoria musicale medioevale facendone oggetto di riflessione teorica e principio di concezioni tecniche. L’articolo tenta di sondare la complessa trama di rapporti mediante la quale due espressioni artistiche apparentemente agli antipodi entrano in contatto e si illuminano a vicenda. Expanding on the study of the piano cycle Quatre Études de Rythme by Olivier Messiaen , composed in 1949–1950, this article provides a brief comparison between two different expressions of art music. On the one hand we have a composition dating back to the mid-1900s: profane instrumental music, the result of individual conceptions, bearing witness to the post-tonal development in musical thought. On the other, Gregorian monody: sacred vocal music, anonymous, expressing formal pre-tonal concepts. This comparison is developed by looking at the conceptual and technical meaning of key terms, such as “mode” and “neume”, which Messiaen turned from Mediaeval musical theory into subjects for theoretical reflection and a principle of technical conceptions. The article sets out to discuss their complex inter-relationships whereby these two artistic, seemingly opposing, expressions converge and are thus reciprocally enhanced. (shrink)

The Spanish philosopher Gustavo Bueno coined the expression “substantive arts” to refer to those arts that do not serve any immediate, mundane or practical purpose. In this paper, I briefly present this idea and put forward a definition of the substantive arts as an alternative to those used until now. Starting from the assumption that since the end of the 18th century there has been a set of arts that have their own substantivity, I expound on certain criteria widely used (...) as distinctive features to define the substantive arts. I subsequently put forward an alternative intensional criterion to characterize the substantive arts. To end, I draw some corollaries following from the application of this criterion. (shrink)

Bioethics, neuroscience, medicine are contributing to a debate on the definition and criteria of death. This topic is very controversial, and it demonstrates clashing views on the meaning of human life and death. Official medical and legal positions agree upon a biological definition of death as irreversible cessation of integrated functioning of the organism as a whole, and whole-brain criterion to ascertain death. These positions have to face many criticisms: some scholars speak of logical and practical inconsistency, some others of (...) invalid scientific theory about the supreme integrator. In this paper some criticisms are exposed and discussed in order to reconstruct the state of the art in bioethical debate. -/- . (shrink)

: According to the extended mind thesis, the human mind is not limited by the boundaries of the body. In this paper, we propose a description of human emotions based on two distinct theories, not usually considered together: Vygotsky’s historical-cultural psychology and Chomsky’s theory of language. Together these two perspectives allow us to construct a global theory of extended mind that considers emotions to be artificial entities that have a specific “biological” goal and are external to the body. In the (...) last short section, this model will be applied to the case of “artistic” human affect. Keywords Extended Mind; Language; Lev S. Vygotsky; Noam Chomsky; Human Emotions; Aesthetic Reaction Fuori dal corpo. Linguaggio, emozioni e arte nei diari di Vygotsky Riassunto: Secondo la tesi della mente estesa, la mente umana non è confinata entro i limiti del corpo. In questo lavoro, proponiamo una descrizione delle emozioni umane basata su due diverse teorie, che solitamente non vengono considerate assieme: la psicologia storico-culturale di Vygotsky e la teoria del linguaggio di Chomsky. Prese assieme queste due prospettive ci permettono di costruire una teoria globale della mente estesa che consideri le emozioni come entità artificiali che hanno uno specifico fine “biologico” e che tuttavia sono “esterne” rispetto al corpo. Nell’ultima breve sezione, questo modello sarà applicato al caso del peculiare affetto “artistico” umano. Parole chiave: Mente estesa; Linguaggio; Vygotsky; Chomsky; Emozioni umane; Reazioni estetiche. (shrink)

The last century was marked by a characteristic that has accompanied many human activities. In philosophy, attempts have been made to convince professionals, students and the more educated population that truth is unattainable, or does not even exist, or is only a reflection of thought. In the field of politics, ethics and morals, the new means of communication of the first half of the 20th century, first and foremost the radio followed by the press, and the powerful who controlled them, (...) they succeeded in the unprecedented feat of making very large sections of the population believe that the exponents of an ethnic group were not human beings, and that they could be subjugated and subjected to the most criminal oppressions, or even erased from the face of the Earth with a never before conceived final solution. The disintegration of realism has also marked the arts, and it was to be expected that the sciences were no less with the relativistic drift on the one hand and indeterministic probabilistic on the other in the foundations of science. The “_Shut up and calculate_” prevailed or the disinterest in the real causes of the phenomena as a typical dress of the professional physicist. The 20th century was therefore not the _short century_, but on the contrary the _long century_, which also extends into ours with its negative cultural effects. A change of course in Earth Sciences could trigger a domino effect for the renewal of other disciplines and put an end to the _long century_. _SUNTO_ Il secolo scorso è stato improntato da una caratteristica che ha accomunato molte attività umane. In filosofia si è tentato di convincere gli addetti ai lavori, gli studenti e la popolazione più istruita, che la verità è irraggiungibile, o addirittura non esiste, o è solo riflesso del pensiero. Nel campo della politica, dell’etica e della morale, i nuovi mezzi di comunicazione della prima metà del XX secolo, in primis la radio seguita dalla stampa, ed i potenti che li controllavano, sono riusciti nella inaudita impresa di far credere a larghissimi strati della popolazione che gli esponenti di una etnia non fossero esseri umani, e che li si potesse soggiogare e sottoporre alle più criminali angherie, o addirittura cancellarli dalla faccia della Terra con una mai prima concepita soluzione finale. Il disgregarsi del realismo ha improntato anche le arti, e bisognava aspettarsi che le scienze non fossero da meno con la deriva relativistica da una parte e probabilistica indeterministica dall’altra nei fondamenti della scienza. Prevalse il “Shut up and calculate” (zitto e calcola) ovvero il disinteresse per le vere cause dei fenomeni come veste tipica del fisico professionista. Il XX secolo non è quindi stato il secolo breve, ma al contrario il secolo lungo, che si spinge anche nel nostro con i suoi effetti culturali negativi. Un cambiamento di rotta nelle Scienze della Terra potrebbe innescare un effetto domino per il rinnovamento delle altre discipline e porre fine al secolo lungo. (shrink)

This collection brings together a selection of writings on art by the internationally acclaimed novelist, historian and critic Marina Warner. For 30 years Warner has published widely on a range of art-world subjects and objects, from contemporary installation and film works to paintings by Flemish and Italian Renaissance masters, through Victorian photography and twentieth-century political drawings and prints. Warner's extraordinary curiosity in art and culture is conveyed in writing that is at once poetic and playful, elegant and rigorous, training our (...) eyes on the smallest of details while painting a broad-brushstroke landscape of art past and present. Themes familiar to Warner's readers--myth and fantasy, psychic and sexual experience, the vast and marvelous expanse of the human imagination--are treated in the lectures and articles, stories, interviews and essays contained here, some of which are published for the first time or republished from out-of-print sources. For the first of two volumes, editor Vivian Sky Rehberg has assembled themed sections titled "Playing in the Dark," "Telling Tales" and "Phantom Technologies." Texts include interviews with Tacita Dean and Paula Rego; catalogue essays on Leonora Carrington, Henry Fuseli, Zarina Bhimji, Tony Oursler and Fischli/Weiss; articles on Tracy Emin, Marlene Dumas, Louise Bourgeois; stories for artist's books by Kiki Smith and Helen Douglas; and lectures on Francis Bacon, Hieronymous Bosch and William Kentridge. "The Symbol Gives Rise to Thought" invites us to explore new ways of seeing and engaging with the traces of our artistic heritage. Marina Warner is a writer of fiction, criticism and history. Holder of 12 honorary degrees and two honorary fellowships, Warner is a Fellow of the British Academy and of the Royal Society of Literature. She has judged the The Jerwood Drawing Prize and the Turner Prize; she is a regular broadcaster on the BBC, and has taught and given lectures worldwide, including the National Gallery and ICA, London and the Prado in Madrid; she has delivered the Presidential Lecture at Stanford University and the Carpenter Lecture at Harvard. She has been awarded a CBE, Chevalier de l'Ordre des Arts et des Lettres, France and Commendatore dell'Ordine della Stella di Solidareità, Italy. Warner is a winner of the Aby Warburg Prize and a Getty Scholar. Vivian Sky Rehberg is an art historian and critic based in Paris and Rotterdam. A founding editor of "Journal of Visual Culture," she is a contributing editor of "Frieze," and has written for numerous contemporary art publications. Previously Chair of the department of Critical Studies at Parsons Paris School of Art + Design, where she taught modern and contemporary art, Rehberg is currently Course Director for the Masters in Fine Art at Piet Zwart Institute in Rotterdam.. (shrink)

The main aim of the present essay is to explore Arthur C. Danto’s passionate confrontation with German philosophy. As will emerge, it is neither an analysis planned according to a precise chronological order, nor a rigidly systematic investigation. In a succession of irreverent betrayals, syncretistic appropriations and courageous afterthoughts, Danto will proceed rather backwards, going from Nietzsche to Hegel and from Hegel to Kant. In doing so – during his long and tireless philosophical r...

L’articolo indaga l’opera di Paolo Rosa e di Studio Azzurro a partire dal suo rilievo politico. L’articolo rielabora il concetto, formulato originariamente da Walter Benjamin ne L’opera d’arte nell’epoca della sua riproducibilità tecnica, di “politicizzazione dell’arte”. Mentre per Benjamin la politicizzazione dell’arte riguarda il movimento di emancipazione delle masse da opporre alla “estetizzazione della politica”, il concetto si presta qui a una nuova interpretazione. Riprendendo il titolo di un saggio scritto da Rosa insieme ad Andrea Balzola, l’articolo mostra (...) come l’arte debba “uscire fuori di sé”. In altre parole, l’artista deve abbandonare le consuete modalità della creazione e della fruizione, per istituire nuove condizioni di interazione all’interno degli ambienti prodotti attraverso la creazione di immagini. In questo modo, l’opera di Rosa e Studio Azzurro recupera in una nuova accezione l’“aura” dell’opera d’arte. (shrink)

Tommaso si e confrontato spesso con il tema del fine dell'uomo: ampie sezioni delle sue opere vi sono espressamente dedicate e altre ne sono l'implicita trattazione. La presente ricerca vuole introdursi all'opera di Tommaso d'Aquino non tanto evocando gli spettri di polemiche solo posteriori sul soprannaturale, quanto invece gettando uno sguardo al tempo in cui e vissuto, il XIII secolo, ed ad un luogo caratteristico nel quale egli ha studiato e insegnato: l'universita di Parigi. Ne viene fuori una figura (...) in profonda osmosi con le tensioni spirituali della sua epoca e preoccupato di esprimere la perennita della fede. Alfonso Valsecchi, 1971, ha conseguito licenza e dottorato presso la Pontificia Universita Gregoriana. (shrink)

Riassunto: La filosofia originale cinese è una sublimazione della coscienza culturale umana di base - la coscienza della vita e della riproduzione - che è l’unificazione del “Concetto di yin e yang” e del “Concetto di ciclo di vita “ in cui “lo yin e lo yang si uniscono per creare tutte le cose, e il ciclio dà una vita senza fine. La cultura originale cinese determina la visione filosofica, la visione artistica, il temperamento emotivo, la benessere psicologica e (...) lo spirito nazionale della nazione cinese. Il sistema filosofico cinese, che rappresenta l’unificazione della cosmologia, dell’epistemologia e della metodologia della nazione cinese, è un sistema filosofico completo e maturo che si è formato nella società tardo primitiva molto prima delle Dinastie Xia, Shang e Zhou. La cultura originale cinese, dalla cultura della ceramica dipinta di 7.000 anni fa fino ai giorni nostri, dalla cultura archeologica sotterranea alla cultura di massa terrestre, è un concetto ampio di belle arti, determinato da una visione filosofica dell’arte plastica di osservare gli oggetti e prendere immmagini. La cultura originale e la filosofia originale della Cina primitiva sono ancora conservate in un’eredità storica estremamente ricca e completa nella vita sociale della cultura di massa. Per questo motivo la Cina è l’unico Paese tra le civiltà antiche che non aver subito una frattura culturale. (shrink)

Published under the auspices of The World Institute for Advanced Phenomenological Research and Learning, 19 essays document the April 1998 international congress held at Harvard University. They ponder on such topics as the phenomenology of the experience of enchantment, Leonardo's enchantress, the ambiguous meaning of musical enchantment in Kant's Third Critique, art and the reenchantment of sensuous human activity, the creative voice, the allure of the Naza, Henri Matisse's early critical reception in New York, Zizek's sublimicist aesthetic of enchanted fantasy, (...) and enchantment in Baroque festive court performance in France. There is no subject index. Annotation copyrighted by Book News Inc., Portland, OR. (shrink)

Dopo l'affermazione nietzschiana per cui “non ci sono fatti ma solo interpretazioni” la filosofia giunge alla fase del postmoderno, difesa da Gianni Vattimo, in cui dialettica ed ermeneutica rendono “debole” il concetto di verità. Il suo allievo Maurizio Ferraris critica la visone del suo maestro col tentativo di instaurare un nuovo realismo, volendo riportare in auge un concetto di verità, che escluda da esso tutte le verità di tipo epistemologico e religiose. L’analisi e lo studio dell’attacco al postmoderno di Ferraris (...) che qui viene fatto mostra che sia nel pensiero del primo autore, con la difesa delle verità “soggettive”, sia nel secondo, che difende le verità “oggettive”, il concetto di verità resta slegato dalla morale, e che non avendo contenuti epistemologici su cui fondarsi non giunge all’effettivo ritorno di una nozione “forte” di verità. (shrink)

L’arte contemporanea è caleidoscopica: può catapultarci in ambienti complessi o minimali richiedendo la nostra attiva partecipazione, ancorarsi a luoghi particolari, porci di fronte a opere apparentemente indistinguibili da oggetti ed eventi della vita quotidiana, appropriarsi illegalmente degli spazi pubblici, e così via. Questo volume muove dalla premessa che uno dei compiti della filosofia dell’arte sia prestare attenzione a specifiche pratiche artistiche e a teorie sull’arte avanzate in altri ambiti di ricerca, per poi organizzare in maniera perspicua la molteplicità dei (...) dati raccolti. I filosofi possono così costruire teorie quanto più generali possibile per cercare di spiegare ciò che emerge da tali dati. Le ricerche qui presentate si concentrano su alcuni fenomeni, accuratamente scelti nell’ampio panorama dell’arte contemporanea: l’installation art e i suoi rapporti con l’installazione espositiva, l’arte sito-specifica e la sua appartenenza alla più ampia tradizione dell’arte situata, il ruolo delle idee nell’arte concettuale e il carattere sovversivo della street art. Sfruttando l’efficacia esplicativa del concetto di medium artistico, nonché della individuazione di forme e generi d’arte, le analisi qui presentate indagano le ragioni per cui in queste pratiche artistiche sono centrali l’esperienza dello spazio, l’interazione fra opere e pubblico, i luoghi d’installazione delle opere e gli oggetti come portatori di significati. (shrink)

L’articolo analizza la funzione dell’immagine nei Saggi di Montaigne individuato da un duplice movimento, che è di presa di distanze dall’esistente e di ridefi nizione dell’esistente nei termini di nuove forme, criticamente consapevoli, di abitare il mondo. A tal fine, l´articolo prende in considerazione alcuni temi-chiave che possono essere riscontrati nei Saggi (l´autodescrizione, la critica al sapere sensibile, la deformità e la critica all´abitudine) con l´obiett ivo di riflett ere sul potenziale ontologico della immagine come Bildung e sul modo (...) in cui tale potenziale si riverbera nella concezione montaigneana dell´arte di vivere e in particolare di come, non la teoria, ma la pratica dell’immagine apra lo spazio per una definizione creativa, ma non arbitraria, dell’esistente. Parole-Chiave: Montaigne. Immagine. Arte di vivere. (shrink)

Metafisica dell'arte.--La ricerca della verità.--L'ora della problematica assoluta.--Imagine cosmica e imagine psichica nel pensiero moderno.

Il saggio vuole analizzare se sia possibile parlare di arte contemporanea in termini non meramente cronologici. A questo scopo si avvale del lavoro e delle riflessioni di Peter Osborne, secondo cui l’arte contemporanea deve essere pensata non come un concetto descrittivo, ma come un concetto normativo in grado di giustificare e di rendere possibile il carattere di autonomia dell’arte. Sotto questo profilo, secondo l’autore tutta l’arte contemporanea è arte postconcettuale, poiché oggi la distinzione tra ‘arte’ e ‘non-arte’ non può (...) riposare soltanto su una dimensione estetica, ma deve necessariamente riposare anche su procedure teorico-riflessive (concettuali). Inoltre, non è più possibile configurare una storia dell’arte centrata unicamente sul medium, sulla forma o sullo stile, poiché la natura immateriale, tecnologicamente immaginale e digitalizzata delle pratiche artistiche impone di pensare la dimensione autonoma dell’arte non più attraverso la distinzione (moderna) tra ‘opera’ e res, ma come il darsi finzionale di non-luoghi. Da questo punto di vista, Osborne prova a ripensare la ‘forma’ dell’opera d’arte contemporanea in termini di una paradossale unità distributiva temporale e spaziale. In questo modo, l’unità temporalmente disgiuntiva e il carattere transnazionale (globale) diventano le due caratteristiche principali dell’opera d’arte contemporanea. (shrink)

A fine Settecento, quando l’ingresso della musica nel «sistema delle arti» era un evento ancora recente, il fondatore della Allgemeine Musikalische Zeitung, Friedrich Rochlitz, individuava il motivo della maggiore discrepanza nei giudizi in materia musica le rispetto alle altre arti nel fatto che essa sarebbe priva di punti di riferimento visibili. «La musica», egli affermava, «nulla ha divisibile (Sichtbares) cui si possano confrontare le sue opere, o da cui possa scaturire una qualche concordanza nelle valutazioni». Mentre per esempio possiamo (...) valutare la differenza di valore tra due raffigurazioni di una rosa perché abbiamo visto la rosa reale, nella musica, argomentava Rochlitz, dobbiamo affidarci alla nostra sensibilità introspettiva, il che rende il compito del giudizio assai difficile. Non intendo qui commentare questo argomento. Piuttosto mi interessa mettere in discussione l’idea che la musica non abbia a che fare con la dimensione del visibile. Anche dando per scontata l’idea che la musica sia un’arte, o un campo di pratiche, legato in modo fondamentale ai suoni e all’ascolto, non è inutile interrogarsi sul contributo della dimensione visiva all’esperienza musicale. Questo articolo presenterà quindi alcune considerazioni circa gli aspetti visivi della produzione e della ricezione della musica. La prima parte concerne la possibilità di visualizzare l’opera intesa come tipo ideale strutturale. La seconda parte discute il ruolo della visione nell’esecuzione delle opere musicali. La terza parte si sofferma brevemente sul ruolo della visualizzazione immaginativa e del vedere performativo nelle pratiche dell’improvvisazione. La conclusione propone un rapido riferimento all’iconologia musicale. (shrink)

This handsomely produced volume contains 22 contributions from international scholars, which were originally presented at the 2000 Conference of the International Society for Phenomenology, Fine Arts, & Aesthetics. The papers center around the theme of gardens and include a wide range of topics of interest to phenomenologists but also, perhaps, to gardeners with a philosophical bent. A sampling of topics: Leonardo's Annunciation Hortus Conclusus and its reflexive intent; hatha yoga--a phenomenological experience of nature; the Chinese attempt to miniaturize the (...) world in gardens; conflating and compressing time in commodified space and architecture; constructing the deconstructive landscape (the ruin aesthetic); and a phenomenological-anthropological aproach to Zen gardens. The volume is lightly indexed by name (mostly philosophers). Annotation (c)2003 Book News, Inc., Portland, OR (booknews.com). (shrink)

What is money? Paraphrasing Goodman, I say that’s the wrong question to ask. The right question is, When is money? And to get the answer, Searle’s general formula for social objects (X couns as Y in context C) is fine, as long as you give it a different reading.

For many years, some urban architecture has aimed to exclude unwanted groups of people from some locations. This type of architecture is called “defensive” or “hostile” architecture and includes benches that cannot be slept on, spikes in the ground that cannot be stood on, and pieces of metal that hinder one’s ability to skateboard. These defensive measures have sparked public outrage, with many thinking such measures lead to suffering, are disrespectful, and violate people’s rights. In this paper, it is argued (...) that these views are difficult to defend and that much more empirical research on the topic is needed. (shrink)