El arte es una vía de conexión entre el corazón del mundo y el corazón del ser humano. Cuerpo, mente y alma son expresiones de un Espíritu unificado que habita el universo, y que puede tomar vida y manifestarse de un modo trascendente y resplandecer en las pequeñas cosas de la vida. Captar ese Todo Unificado es posible desde las posibilidades liberadoras que brinda el pensamiento complejo. Dado que el trabajo espiritual y los desafíos de la psicología profunda son (...) aspectos interconectados de una misma realidad, el artículo aborda el tema de la dimensión psicológica del arte y de la belleza. Más que referirse a la naturaleza intrínseca de la obra de arte, el artículo toma el tema de la actitud mental con la que el observador enfrenta dicha realidad. Se desarrolla aquí un análisis sobre las vías de acceso a la experiencia estética y al inconsciente colectivo. (shrink)

La flexibilidad y la mercantilización de lo espiritual ¿son aspectos característicos de la cultura contemporánea? Centrado en los casos de Alemania, Inglaterra y Francia, el artículo detalla cómo el romanticismo literario se articula como un movimiento pionero de la espiritualidad flexible, proceso que se entrelaza con su rol seminal en la formación del campo literario moderno. El crecimiento económico y demográfico sostenidos en Europa desde el s. XV, así como la alfabetización impulsada por el protestantismo, construyen un moderno público (...) lector que da pie —durante el s. XVIII— a la revolución y diversificación de la lectura, lo que promueve la difusión de incipientes tendencias modernas (ciencia, Ilustración, prensa). Oponiéndose parcialmente a estas tendencias y extendiendo la diversificación de lo impreso, surge la tendencia romántica. Sus autores flexibilizan la espiritualidad más allá de las convenciones religiosas de la época —y aportan a la formación del campo literario— (1) caracterizando el desencanto y otras formas de malestar moderno; (2) multiplicando el lenguaje imaginario-trascendente; (3) brindando connotaciones metafísicas al genio artístico; (4) promoviendo la autonomía y libertad expresiva del arte. La evidencia indica que el mercado fue una condición histórica básica para la EF. Se sugiere que esta flexibilidad se muestra como una adaptación de la espiritualidad a las circunstancias empíricas de la modernidad, la cual conlleva nuevas necesidades de sentido y una mayor capacidad para divergir de los relatos religiosos tradicionales. (shrink)

En 1967, el francés Guy Debord escribía un resonante texto, La sociedad del espectáculo, en el que nos ofrece una penetrante y aguda reflexión sobre la sociedad de consumo —cuya experiencia directa vive en la Francia de la posguerra—, donde florece la economía de la abundancia, la industria del ocio, la generalización de los medios de comunicación audiovisual y la propagación del llamado american way of life. Anclado fuertemente en las ideas de Marx sobre la alienación y el fetichismo mercantil, (...) Debord analiza la sociedad en que vive como un perenne espectáculo, entendido este, en lo fundamental, como falseamiento de la naturaleza esencial de un sistema. En muchos sentidos, La sociedad del espectáculo parece más haber sido escrita por estos días que hace más de 50 años. Desde la denuncia de la conversión de la política en un show business, pasando por la espectacularización vacía del arte y de la cultura en general, la prensa del escándalo y el sensacionalismo como gancho para subir el rating, hasta los reality shows que, desprovistos ya de todo pudor, asumen descarnadamente su función de hacer espectáculo por espectáculo, sin importar qué se meta adentro, todo ello, parece haber sido retratado ya en el libro de Debord como una consecuencia inevitable de esta nueva etapa de la enajenación humana, abarcadora de toda la espiritualidad y en la que terminan por perderse las fronteras entre show y vida. (shrink)

El presente artículo resume los fundamentos de la teoría estética formulada por Luigi Pareyson. La materia y la forma constituyen la obra y en ellas se da una unión entre lo espiritual y lo material mostrando la esencia de lo bello-verdadero en la trascendencia. La percepción de los sentidos y la interacción materia-espíritu nos llevará a las fuentes de la experiencia estética en tanto que experiencia del ser. Arvo Pärt lo manifestará así en Berliner Messe y Cantus in memoriam of (...) Benjamin Britten. La forma abre la materia al espíritu y el espíritu abre el arte a la trascendencia. (shrink)

El presente artículo pretende mostrar la profunda interrelación entre el Misterio, el silencio, la experiencia espiritual y el arte. Con ello se busca subrayar el requisito de la representación perteneciente a la experiencia espiritual a través del símbolo. El acontecer del Misterio y su acogida por parte del ser humano implica, en sí mismo, la necesidad del silencio y la contemplación. Estas dos características son elementos indispensables para identificar la autenticidad del ser humano espiritual. Aunque el silencio y la (...) contemplación parezcan hablar sobre la «pasividad» de lo humano, el dinamismo que se genera en la vivencia de esta experiencia impulsa al sujeto a expresar de diversas formas una realidad que lo trasciende y fascina. La vía más adecuada de esta expresión es el símbolo, el cual busca representar una vivencia que comunica y transforma. La fuerza de la creación y transformación constante de este proceso permite descubrir, en la obra de arte, el signo visible de la auto-revelación del Misterio Santo. Ante el bullicio del mundo contemporáneo, que no da lugar al recogimiento, esta reflexión se presenta como una alternativa para profundizar sobre la necesidad de la espiritualidad en la configuración de lo humano. (shrink)

En el siguiente documento se presentará una síntesis de las ideas centrales que arguye Antonin Artaud en su obra: El teatro y su doble para establecer, en la discusión sobre el arte, la idea del artista como un héroe desde una perspectiva ontológica, que no implica simplemente las representaciones sensibles de los héroes figurativos de las tradicionales obras trágicas. En esta nueva categorización, el artista se considerará como héroe teniendo en cuenta tres ejes fundamentales: primero, la relación espiritualidad-corporalidad; (...) segundo, la noción de crisis de la cultura como factor esencial en la constitución de un arte metafísico; y tercero, la idea de crueldad del arte como respuesta a lo que presenta el mundo. (shrink)

La espiritualidad del presbítero hunde sus raíces en la gracia del sacramento del Orden. En el ejercicio del ministerio está destinado a significar y reenviar a los hombres, personal y comunitariamente, a Cristo único Mediador, Cabeza y Pastor. Alentado por el Espíritu y mediante la asidua meditación de la Palabra en la comunión eclesial, ha de vivir el dinamismo de la encarnación redentora, entregado a la acción y a la contemplación al servicio de los hermanos.

:La iglesia entiende la vida conyugal como un sacramento, es decir, como un signo y un instrumento de la relación de Dios con la humanidad. La vida esponsal es signo del amor de Dios para con la humanidad y de la alianza de Cristo con la Iglesia, pero también es una forma origi-nal de “hacer teología”, de conocer el amor y la gracia de Dios dando testimonio de ellos. En este sen-tido, constituye un instrumento eficaz para hacer realmente pre-sente y (...) poder experimentar el amor y la gracia de Dios. El Con-cilio Vaticano II subrayó enfáticamente la comprensión bíblica del matrimonio como alianza, superando una visión eminentemente jurídica y destacando la dimensión personal del amor y de la vida conyugal. Se trata de algo muy significativo para el desarrollo de la espiritualidad del matrimonio. (shrink)

[ES] La posibilidad de definir una ontología del arte —indagando, por tanto, cuál género de cosas sería un objeto de arte— recorre dos horizontes alternativos: aquél de una metafísica prescriptiva y aquél de una metafísica descriptiva. [EN] The possibility of defining an ontology of art —asking, therefore, which kind of things would be a work of art— follows two alternative horizons: that of a prescriptive Metaphysics, and that of a descriptive Metaphysics.

Este artículo revisa el modo en que la aparición de objetos críticos, como el Portabotellas de Duchamp, hacen entrar en crisis las nociones tradicionalmente aceptadas respecto de la obra de arte: su manualidad (la “buena factura”, producto de la destreza o habilidad del artista), su función representativa (mímesis) y su valor estético (el ser “bello”, objeto de una contemplación pura y desinteresada). Se plantea, así, que la aparición del ready made configura el momento final de un proceso de disolución (...) de las convenciones artísticas (tanto respecto de la producción como de la valoración de las obras de arte) imperantes hasta el momento. Teniendo en cuenta todo esto, la pregunta que se intenta responder, al final, es: ¿cómo es posible que algo como el Portabotellas pudiera haber sido aceptado como arte, si no cumplía con las condiciones básicas de la noción tal y como se la aceptaba entonces? (shrink)

Durante buena parte del S. XX el desarrollo se entendió como crecimiento económico, comercio, instituciones modernas, etc. La idea era que los países subdesarrollados debían seguir el sendero de la modernidad marcado por los países desarrollados. Frente a esta mirada economicista del desarrollo (y también colonialista), han surgido varias propuestas que hablan de un Desarrollo Humano Integral. La Iglesia Católica, a través de su Doctrina Social, ha insistido profusamente, por casi 60 años, en este tema. El desarrollo no puede ser (...) meramente económico, sino que debe mirar la totalidad del ser humano. En relación con esto, las espiritualidades pueden ser un aporte a un Desarrollo Humano Integral que tenga en cuenta la liberación de la opresión, el bien común y la búsqueda de trascendencia. (shrink)

Este escrito se inscribe dentro de la teoría extática del amor según Duns Escoto, la que está influenciada por la doctrina de San Anselmo respecto de las dos inclinaciones o afectos de la voluntad: la affectio commodi y la affectio iustitiae. El objetivo del mismo es mostrar cómo Juan Duns Escoto logra superar la aparente contradicción que cabe entre tender por naturaleza a Dios y elegir a Dios a partir de la reflexión sobre los dos afectos que conforman la voluntad (...) humana. (shrink)

El Romanticismo hizo aportes fundamentales en la teoría de la pintura: por un lado centró la atención en su visualidad como arle de la apariencia y su idealización: por el otro, la coaccionó con el significado, poniéndola al servicio de la religión y el poder, estimuló el goce y la crítica del arte, pero los condenó también en favor de una actitud reverencial ante él. La pintura de los Nazarenos representa la intención romántica de una nueva pintura cristiana, alemana (...) y patriótica que habría de reorientar el espíritu de la época. Hegel se opuso radicalmente a este proyecto: su tesis del fin del arte no tiene sólo una explicación sistemática, sino que responde igualmente a un debate histórico concreto. El artículo aborda las posiciones de Wackenroder, August y Friedrich Schlegel, y Overbeck. (shrink)

El presente artículo de revisión construye un estado del arte sobre el papel de la enseñanza de la filosofía y su incidencia en la formación democrática de la educación formal para niños en Colombia. El mismo se interesa por rastrear investigaciones y referentes nacionales e internacionales que se preocupan por conocer la realidad en la que se encuentra la enseñanza de la filosofía y sus aportes a la educación para la democracia. Se ha podido identificar que la filosofía permite (...) cumplir el derecho fundamental que tiene toda persona a formarse para pensar libremente. Por otro lado, hay países que han desvinculado la filosofía de la formación, aunque hay otros que optan por mantenerla, porque reconocen sus beneficios en la constitución de sociedades democráticas. Para no repetir este panorama, se proponen cambios en las prácticas pedagógicas para su enseñanza y una mayor conexión con la realidad de los niños. En Colombia, la enseñanza de la filosofía ha quedado relegada al aprendizaje tradicional de conceptos, teorías, historia y lectoescritura. Frente a su incidencia en la formación democrática, existen prácticas pedagógicas que no permiten alcanzar los objetivos formativos que se pretenden desde la escuela. (shrink)

[ES] En este trabajo, ofreceré una reconstrucción sucinta de los argumentos sobre el significado de la noción de mundo del arte, así como de sus implicaciones en la ontología del arte. En primer lugar, describiré de manera esquemática los principios básicos de la noción de mundo del arte de Danto, y a partir de estos principios delinearé su influencia en la teoría institucional del arte de George Dickie. Sobre esta base, apoyado en la crítica al rol (...) de la teoría en estética de Morris Weitz, intentaré evidenciar las dificultades de lo que se ha dado en llamar la teoría institucional del arte al momento definir lo que es el arte. En la parte final del trabajo, presentaré algunas sugerencias que podrían tomarse en consideración al momento de abordar la relación entre el mundo del arte y la ontología del mundo del arte. [EN] In this paper, I will offer a succinct reconstruction of the arguments about the meaning of the notion of the world of art, as well as its implications in the ontology of art. First, I will outline the basic principles of Danto's notion of the art world, and from these principles I will outline its influence on George Dickie's institutional theory of art. On this basis, supported by Morris Weitz's critique to the role of the theory of aesthetics, I will try to highlight the difficulties of what has been called the institutional theory of art at the moment of defining what art is. In the final part of the paper, I will present some suggestions that could be taken into account when considering the relation between the world of art and the artworld ontology. (shrink)

La presente investigación hace una revisión de la producción académica publicada sobre educación religiosa escolar entre los años 1991-2020 en Hispanoamérica, donde la ERE ha estado presente en los sistemas educativos en estos países a partir de la primera evangelización desde la época de la colonia, cambiando de finalidades, métodos y formatos. Entender su lugar en la escuela actual requiere identificar los cambios históricos, de contexto y finalidad, y las distintas preocupaciones de sus actores educativos. La investigación hace una revisión (...) general de las publicaciones de la región, puntualizando en el caso colombiano, argentino, mexicano y uruguayo. La metodología usa un análisis de contenido que identifica tres niveles de análisis del texto: de superficie, analítico e interpretativo. Los hallazgos se clasificaron en cinco temáticas: 1) análisis jurídicos; 2) estudios historiográficos; 3) análisis sobre las nuevas realidades sociales y educativas; 4) análisis de los currículos y la práctica pedagógica del maestro; y, 5) fundamentación epistemológica de la ERE. La revisión permite concluir que el tipo de educación religiosa escolar de cada país en Hispanoamérica está determinado por la comprensión de laicidad que cada país tenga en su ordenamiento constitucional y por las complejas trayectorias históricas de las relaciones Iglesia – Estado en su consolidación como nación. Además, los documentos dan cuenta de diversidad de enfoques y preocupaciones por la necesidad –o no- de una educación religiosa fundamentada teológica y pedagógicamente, para un contexto religioso y cultural claramente diverso y plural en el cual se encuentran jóvenes y adolescentes que asisten a la escuela, algunos en búsqueda de identidad y sentido de vida. (shrink)

El artículo pretende definir la Historia del Arte dentro del campo de la ciencia. Entenderemos ciencia bajo el amparo de las teorías del filósofo de la ciencia Imre Lakatos. El texto quiere demostrar la posibilidad de pensar la Historia del Arte desde el punto de vista racional, con la idea de que es posible fabricar tanto reconstrucciones racionales históricas relativas a lo que la disciplina estudia, como una reconstrucción racional de la historiografía del arte.

Conan, el niño del futuro (1978) es un dibujo animado oriental que plasma a una sociedad futurista que ha sobrevivido a la Tercera Guerra Mundial. El personaje principal, un niño de 10 años, aparece en la historia para impedir que el grupo hegemónico continúe con su pretensión de dominar el mundo, sin importar la tiranía que ejercen contra los ciudadanos. Para lograr ese vil propósito, las autoridades de Isla Industria han incurrido en escenarios en los que se observa la esclavitud, (...) la dificultad para expresarse con libertad y el sometimiento obligatorio a las decisiones del sistema. Esas actitudes no solo revelan un contexto recreado en un mundo ficcional, sino que es latente al apreciar las revueltas sociales de la actualidad. A ese tipo de manifestación por los derechos, se le agrega otra modalidad correlativa: la censura. Esta se concreta de forma implícita y sutil, con el objetivo de que las víctimas desacrediten sus derechos y no reclamen ante los abusos frecuentes de un gobierno que los sanciona, los encarcela o los exilia con injusticia. Su condición de peligro para la hegemonía es esencial, porque puede acarrear una toma de conciencia para los demás pobladores y una posible rebelión. Para finalizar, esta investigación se valdrá de las teorías poscoloniales e interculturales para evidenciar cómo un proyecto político se instaura en un anime japonés y, en especial, en el protagonista que desea reorientar a toda una sociedad, junto con ese sistema represivo inherente. (shrink)

Este trabajo recupera el vaticinio hegeliano sobre la muerte del arte para demostrar, en contra de lo defendido por el discurso artístico postmoderno, que el arte actual no sólo no ha llegado a su fin, sino que goza de más salud que nunca. La razón es la ampliación sin límites de su concepto como consecuencia de un doble fenómeno: la desestetización del propio arte y la estetización de la vida, con las que el arte parece haber (...) traspasado, al igual que el objeto sublime, los límites de lo pensable, abocando así a la reflexión estética a un amargo aunque también sabroso estremecimiento. (shrink)

La distinción entre arte culto y arte popular, como un caso particular de la distinción entre alta cultura y cultura popular, forma parte de los principios de la teoría estética. En este artículo tratamos de ver cuál es el fundamento de la misma, así como de analizar el trasfondo estético de las críticas al arte popular, para, desde ahí, emprender una defensa del mismo en el ámbito de la teoría del arte, con la intención de situarla (...) en paridad con el arte culto, es decir, como un producto que puede no sólo satisfacer los criterios de la tradición estética, sino que, además, puede enriquecer el concepto tradicional de lo estético y aspirar al mismo valor que el arte consagrado. (shrink)

¿Qué entendemos hoy por “neoliberalismo”? Si bien hay varias formas de contestar tal pregunta, la respuesta más frecuente consiste en asociarlo con la aplicación de un conjunto de medidas estrictamente económicas; de hecho, se dice que los neoliberales, casi por defecto congénito, no pueden pensar la realidad más allá de los números y las recetas abstractas. Siguiendo el método arqueológico-genealógico de Michel Foucault y de algunos de sus intérpretes contemporáneos, el presente artículo buscará revisar y en lo posible ampliar aquella (...) concepción crítica. Nuestra hipótesis es que el neoliberalismo no se reduce a un mero “economicismo”, sino que contiene más bien toda una dimensión “espiritual”, todo un campo de prácticas y de discursos que se conforma como respuesta ante el excesivo racionalismo de las sociedades modernas. La cuestión consiste en transformar a los hombres desde dentro, hasta el punto de tornarlos más aptos para acceder a un conjunto de valores y asimilar ciertas formas de comportamiento. Según sostiene este artículo, es en los escritos de Wilhelm Röpke, un economista y sociólogo alemán de mediados del siglo XX, donde mejor se aprecia la dimensión espiritual del neoliberalismo. Röpke proponía un “diagnóstico” y una “terapéutica”. El primero sostiene que los hombres padecen una enfermedad espiritual denominada como “masificación” y “proletarización”, mientras que la terapéutica procura hacer de esos hombres unos emprendedores de sí mismos. Tal sería el modo de superar los efectos adversos del capitalismo: transformando a los hombres masificados y proletarizados en sujetos completamente comprometidos con su profesión. No se trata sencillamente de recuperar un pensamiento casi olvidado por la historia, sino de explorar los límites de nuestro presente, especialmente de nuestras formas de subjetividad. Aunque muchas de las críticas contemporáneas no hayan reparado aún en ello, hay que preguntarse hasta qué punto los diagnósticos y las terapéuticas propuestas por neoliberales como Röpke persisten en la actualidad. Aquí no se darán respuestas tajantes y definitivas, pero sí algunos indicios al respecto. (shrink)

RESUMENEl artículo propone una definición esencial del arte como símbolo. Plantea que la filosofía del arte no puede renunciar a preguntarse qué es lo que hace que algo sea arte, ni contentarse con una respuesta de tipo externalista. Discute en esa línea la definición histórica de N. Carroll. Formula unas condiciones básicas del simbolismo y busca caracterizar lo que hay de específico en el símbolo artístico, lo que lo diferencia de los otros símbolos. Se enfrenta a las (...) críticas al simbolismo que actualmente se dan en ciertas teorías y prácticas artísticas.PALABRAS CLAVEDEFINICIÓN ESENCIALISTA. DEFINICIÓN HISTÓRICA. SIMBOLISMO. REPRESENTACIÓN.ABSTRACTThis article proposes an essential definition of art as symbol. The autor holds that the philosophy of art cannot give up the question about what is it that determines that something is to be considered as art and neither can be satisfied with an answer of an externalist type. This is why the historic definition of N.Caroll is discussed. The author establishes the basic conditions of symbolism and seeks to characterize the specific traits of the artistic symbol, which differentiates it from the other symbols. He faces the critics to symbolism which nowadays can be found in certain theories and artistic practices.KEY WORDSESSENTIALIST DEFINITION, HISTORIC DEFINITION, SYMBOLISM, REPRESENTATION. (shrink)

En el presente trabajo se buscará abordar la relación entre las obras de Nietzsche y Freud y el arte a partir de dos líneas de análisis: en primer lugar, el modo particular en que, para cada autor, se despliega la relación del arte con el plano social; en segundo lugar, que la noción misma de arte se halla íntimamente ligada al modo en que, para cada uno, se caracterizan la percepción y al concepto mismo de vida. Finalmente, (...) se trazará una articulación entre ambas líneas analíticas: el modo particular en que el arte es, para ambos autores, pensado en términos sociales, se sustenta –a través de la manera en que es concebida la percepción- a partir del concepto mismo de vida. Esta articulación permitirá fundamentar cómo es que Freud mantiene una relación sintónica con el arte clásico, mientras que la perspectiva nietzscheana, por el contrario, resulta sintónica con el arte de vanguardia. (shrink)

Noticia de un secuestro (1996), del Premio Nobel de Literatura Gabriel García Márquez, representa a la sociedad colombiana que atraviesa por un período caracterizado por el desarrollo de actos narcoterroristas, del cual se detecta el funcionamiento de Pablo Escobar —jefe del Cartel de Medellín— hacia el Gobierno. El presente artículo tiene como finalidad hallar aquellos referentes que permiten ubicar esta obra literaria en lo histórico y lo social —definidos desde la percepción del criminólogo Luis Rodríguez Manzanera al precisar sobre la (...) forma delictiva y la tensión provocada en la ciudadanía para denominarlas como macrocriminalidad—, junto con lo político-filosófico (el capitalismo definido desde el marxismo-leninismo) y lo literario —considerando el posboom como una manifestación artística que permite la incorporación de elementos propios de los Estudios Culturales; como, por ejemplo, la articulación de lo nacional y la crítica ideológica al sistema que los impera. (shrink)

A principios del siglo XX se produjo la distinción entre conocimientos físicos clásicos y conocimientos físicos cuánticos. Con la relatividad especial (el espacio-tiempo y la equiparación de energía y materia), culmina la física clásica; y con la cuantización de Planck, se inicia una física nueva, con extrañas síntesis sin identidad: transprobabilidad. Pero, en 1915, apareció una distinción aún más profunda, la de los conocimientos propios (que engloban lo clásico y lo cuántico), y los conocimientos impropios. Todo empezó cuando, en la (...) relatividad general de Einstein, no estaba claro que se cumpliese el principio sagrado de la conservación de la energía. Hilbert afirmó (su famosa Behauptung) que se trataba de un conocimiento impropio; pero no supo explicar el porqué. Fue la matemática Emmy Noether, experta en invariantes, la que, con sus dos teoremas de 1918, explicó la diferencia radical entre conocimientos propios (conservación de la energía, de los momentos lineal y angular, de las “cargas”...), y los conocimientos impropios (segundo teorema). Pero la razón más profunda de la conservación impropia, que Noether encontró en los grupos de infinito no enumerable de Lie, está en el campo intencional de la fenomenología renovada. La encontramos cuando se recorre el campo intencional no “desde arriba hacia abajo” (el movimiento de la mínima acción), sino “desde abajo hacia arriba”: la simple invariancia sin atención al movimiento. Y ahí encontramos la sorprendente identidad del arte, frente a la identidad de la ciencia. El arte es una forma de conocimiento impropio, fuerte y englobante. (shrink)

La filosofía, atendiendo a cierto afán esencialista, se ha visto abocada, a lo largo de su historia, a la conceptualización o definición de términos tan complejos como el arte. Una de las teorías más aceptadas y fundamentadas en relación a esta tarea es aquella que define las obras de arte como formas de expresión. En estos últimos siglos, la expresión se ha consolidado como un concepto estrechamente vinculado a la actividad artística. La llegada de la filosofía analítica y (...) su énfasis en el ámbito lingüístico fomentó el interés por definir el fenómeno expresivo como medio de representación de la realidad. En este contexto, autores como Nelson Goodman y Arthur Danto, concibieron, en sus respectivos pensamientos, a la expresión como proceso de simbolización artístico. Ambos autores, que conjugaron en su obra la metodología analítica y la preocupación estética, contribuyeron a la legitimación de la teoría expresivista. A través de la interrelación de sus teorías se observa cómo Goodman sentó unas bases que serían recogidas y ampliadas posteriormente por Danto, para así conformar uno de los idearios más influyentes y representativos del arte contemporáneo. (shrink)

Desde que Hegel declarara el arte como “cosa del pasado”, diversas posturas han discutido sus posibilidades de existencia y ocaso, mientras el arte mismo se ha visto en la incomodidad de la indefinición de sus condiciones ontológicas y de sus espacios de circulación. Esa indefinición, no obstante, permitió que ciertas operaciones y modos de hacer artísticos se desplazaran hacia escenarios abiertos y no institucionales. Una vez trazada una ruta hermenéutica desde la estética hegeliana hasta la actualidad, a partir (...) de modelos de análisis como los Estudios visuales, la teoría de Boris Groys o Nicolas Bourriaud, o el sistema modal de Jordi Claramonte, es posible pensar las condiciones de posibilidad actuales del arte en la medida de sus entrecruzamientos y del desplazamiento de su objeto desde la creación hacia la circulación. Sin que haya desaparecido la plataforma de legitimación institucional, las variaciones en las que se despliegan los códigos artísticos en la cultura visual contemporánea desestiman la posibilidad de reclamarse como obras de arte, y se limitan a hacer un uso táctico de formas de relación y producción. De ahí que la demarcación de los escenarios de supervivencia del arte pueda resumirse en el traslado de la categoría arte, como sustantivo, hacia la movilidad versátil del adjetivo artístico. (shrink)

A la luz del trabajo cinematográfico de Paz Encina y Raúl Ruiz, este artículo problematiza algunas lecturas del concepto benjaminiano de politización del arte, prestando especial atención a la capacidad del cine para producir una destitución sensorial. El problema de la politización del arte se piensa desde el rol del arte en la política: como un dispositivo que resiste la narcosis sensorial impuesta por políticas posdictatoriales estetizantes del Cono Sur. A través de un análisis comparado de lectores (...) contemporáneos de la obra de Walter Benjamin y de una reconsideración de la influencia de Marx en este contexto, el artículo destaca la relevancia de una concepción «politizada del arte», en conexión con una comprensión de las imágenes que modifica nuestra experiencia perceptivo-sensorial como elemento clave de nuestra noción histórica. 320-342. (shrink)

En este trabajo se pretende abordar la historia del arte según Arthur Danto, partiremos de la distinción entre los tres distintos periodos históricos que postula, el primero de ellos lo ubicaré bajo el nombre del Periodo Prehistórico del arte, el segundo como el Periodo Histórico y finalmente el periodo Posthistórico. Cada uno será explicado de manera tal que no exista ambigüedad entre ellos, todo esto con la finalidad de esclarecer aún más la concepción que tiene Danto sobre la (...) historia del arte y poder abordar en el tercer capítulo lo que nos atañe con respecto a su tesis sobre el fin del arte. Se podrá realizar un contraste entre lo propuesto por Shinner frente Danto y resaltar la pertinencia del segundo autor partiendo del periodo Posthistórico como el que define lo acontecido en el arte contemporáneo y el fin del arte. Shinner es capaz de tejer históricamente lo que acontece con el concepto arte y sus problemáticas hasta su configuración moderna de bellas artes, después, continúa relatando sin añadir la problemática con respecto a las producciones del siglo XIX y XX, sólo nos dice que cambian las producciones, más no que el concepto lo hace con ellas. Por lo tanto, se ve la necesidad de explicar el cambio en el concepto, recurriendo a la crítica de Danto y la propuesta de un nuevo concepto capaz de incluir en su definición todo lo es una obra de arte y lo que esté en posibilidad de ser una. Lo que está en posibilidad habita en el reino prehistórico y posthistórico del arte. (shrink)

Este artículo analiza la importancia que tiene en la actualidad Ronald Kay para la crítica de arte en Chile y, más concretamente, la relevancia de su texto Del espacio de acá, señales para una mirada americana. Esto se debe a dos propuestas simultáneas que encontramos en sus textos: 1) la posibilidad de realizar una crítica deconstructiva de los imaginarios americanos en Chile, y 2) la continuidad que ofrece a los proyectos constructivos antes del Golpe de Estado en Chile. El (...) principal objetivo de este artículo es dejar en evidencia la necesidad de volver a una crítica de arte que actualice el legado constructivista en la Historia del Arte; es decir, que visibilice el legado artístico que tuvo y tiene la ambición de transformar el mundo. Kay es un referente importante para dicha labor. (shrink)

Este trabajo discute la aproximación que Burkhardt Lindner establece entre las concepciones del arte de Walter Benjamin y Martin Heidegger. Reexaminando las tesis de "Das Kunstwerk im Zeitalter seiner technischen Reproduzierbarkeit" y "Der Ursprung des Kunstwerkes", contrapone los argumentos por medio de los cuales en estos textos se rechaza la autonomía del arte, mostrando las distintas constelaciones teóricas que componen en ellos los conceptos de estética y arte, tékhne y phýsis, Erfahrung y Erlebnis. Finalmente, amplía su análisis (...) a otros textos de Benjamin y Heidegger y compara las interpretaciones divergentes que ambos autores ofrecen acerca de algunos fenómenos artísticos. This paper discusses the approach Burkhardt Lindner established between the conceptions of art of Walter Benjamin and Martin Heidegger. Revisiting the ideas of "Das Kunstwerk im technischen Zeitalter seiner Reproduzierbarkeit" and "Der Ursprung des Kunstwerkes", it contrasts the arguments by which each of these texts reject the autonomy of art, showing the different theoretical constellations that compose the concepts of aesthetics and art, tékhne and phýsis, Erfahrung and Erlebnis. Finally, it extends its analysis to other texts of Benjamin and Heidegger and compares the diverging interpretations both authors offer about some artistic phenomena. (shrink)

Uno de los puntos de mayor interés del pensamiento estético de Hegel procede de sus Lecciones de estética, y es aquel que afirma y tematiza el fin del arte. Para entender el sentido y el alcance de esta idea, presentamos en este trabajo el modo como Hegel trata el problema del arte dentro de su filosofía especulativa y en especial en sus Lecciones de Estética. Por medio de este proceso de contextualización rastreamos finalmente las distintas interpretaciones que se (...) han producido en nuestros días acerca de la provocativa tesis del fin del arte y dejamos planteada también la cuestión del lugar que ocupa o puede ocupar el arte después del mencionado fin del arte. (shrink)

Reseña del libro: Cortés, F.. Del arte de la paz: reflexiones filosóficas sobre justicia transicional. Siglo del Hombre.

En esta era digital contemporánea, la constante creación y consumo de arte e imágenes visuales se ha vuelto predominante. Sin embargo, sigue existiendo la necesidad imperante de alfabetización visual. Esta investigación explora el impacto positivo de la educación artística en la vida de los estudiantes y aborda las desigualdades en la oferta de clases de arte en España y Estados Unidos. También enfatiza el rol fundamental de la integración de las artes de manera interdisciplinaria y transversal, instando a (...) los encargados de formular políticas educativas a priorizar la educación artística mejorando la legislación educativa y la asignación de recursos. El artículo examina las dificultades para garantizar el acceso equitativo a la educación artística y señala las oportunidades que se pierden cuando las habilidades de alfabetización visual no se desarrollan. Los resultados indican la necesidad de incorporar el arte en el plan de estudios de todas las asignaturas y así promover las habilidades de alfabetización visual. El artículo concluye ofreciendo sugerencias para integrar el arte en las clases obligatorias y promoviendo una educación artística equitativa en las escuelas. Esta investigación contribuye al discurso vigente sobre el potencial transformador de la educación artística en el panorama digital actual. (shrink)

[ES] Este famoso ensayo de Arthur Danto, que se presenta aquí traducido al español, fue el primer desarrollo de su concepto de «mundo del arte» como un marco contextual que da sentido, por medio de sus usos teóricos-lingüísticos, a toda forma de arte reconocible en el mundo. Este concepto tendría una influencia enorme en todo el mundo, y fue la base de todo el pensamiento posterior de Danto acerca del arte, y su principal herramienta filosófica para vender (...) en todas partes la idea de que las obras de Andy Warhol no sólo eran legítimas obras de arte, sino incluso, obras importantes de arte. [EN] This famous essay by Arthur Danto, presented here entirely translated into Spanish, was the first development of his concept of “art world” as a contextual framework that gives meaning, through its theoretical-linguistic uses, to all forms of recognizable art in the world. This concept would have a huge influence around the world, and was the basis of all subsequent Danto’s thought about art, and his main philosophical tool to sell everywhere the idea that the works of Andy Warhol were not only legitimate works of art, but even important works of art. (shrink)

Fundamentos teóricos y metodológicos presentes en Historia y estilo -- Historia y estilo, importancia para la teoría del arte en Cuba.

La autonomía del arte ha sido un concepto siempre discutido. En el caso de la concepción moderna del arte, la autonomía se confundió en algunos casos con la soberanía de un concepto determinado del arte, excluyente de otros. Esta concepción se radicalizó a tal punto, que su crisis en los años ochenta dio origen a consignas como "La muerte del arte", paradójicamente, cuando el arte en sus diferentes formas mostraba una gran vitalidad. Estas contradicciones han (...) servido para elaborar la distinción entre arte moderno y arte contemporáneo, y redefinir la autonomía en términos de pluralismo artístico. (shrink)

El texto pretende señalar un recorrido cronológico por algunas de las obras más importantes de Theodor Adorno. Con ello se procura mostrar cómo en su filosofía, desde sus inicios hasta su última gran obra, hubo un desarrollo coherente en el cual el arte llegó a configurarse como un modelo crítico de la razón ilustrada, en tanto que él puede acoger y representar lo excluido, y por ello coartado, por la racionalidad instrumental.

El interes de Collingwood por las cuestiones esteticas fue uno de los mas persistentes a lo largo de toda su obra. Asi pues, todo lo expuesto en este libro tiene una aplicacion practica, directa o indirectamente, a la condicion del arte en la actualidad.

Las artes visuales, marginadas de otras áreas del conocimiento, por la fragmentación epistemológica propi-ciada por el positivismo y con afán de responder al desarrollo vertiginoso y complejo de nuevas tecnologías, han perdido la más importante de sus tareas, la reflexión. La especulación sobre la acción artística y la entrega de juicios críticos acerca de sus manifestaciones implica la introspección y el pensar sobre sus procesos y parámetros de desarrollo. Imaginar y crear en las artes visuales se ha convertido en las (...) reacciones espontáneas resultantes de la intuición del instante, olvidando etapas importantes de concentración, abstracción, especulación y transformación de la experiencia estética. Hoy las artes son la provocación de una cadena de reacciones físicas: repulsión, sorpresa, rechazo, etc., de las transgresiones a la forma y no al fondo, hay un abismo entre el pensamiento y la razón. Hay un olvido de los contenidos, por los que lucharon Klee, Kandinsky, Arnheim o Gombrich y que hizo comprensible la obra de Cézanne, Duchamp o Beuys. Se trata de una reflexión sobre la importancia del dominio epistemológico en las artes visuales, una llamada a regresar a su conceptualización y a reconstruir la filosofía y la teoría del arte visual de nuestro tiempo. Estas disciplinas tienen un aspecto teórico referente a los conceptos que las sustentan, un aspecto técnico concerniente a los medios por los cuales se crea la obra o la acción artística y un aspecto poético, que establece un nexo entre quien crea la obra y quienes la perciben y contemplan, éstos entre sí y entre éstos y la obra. Lo anterior requiere de los conocimientos indis-pensables para reconocer y comprender tanto el excedente de sentido de las artes visuales como la socialización sus valores culturales, son indispensables las estructuras y concepciones teóricas porque, de un mismo objeto o acción se dan diversas interpretaciones igualmente válidas, siempre y cuando estén sustentadas cognoscitivamente. Las artes visuales son una unidad de saber, un conjunto de conocimientos unificados merced a ciertos principios, pero no es un cuerpo de verdades cerradas, al contrario, se hallan en relación permanente y dinámica con otros ámbitos cognoscitivos, influyen en algunos y son influenciadas por otros. La conceptuación de las artes visuales es valiosa porque tiene efectos directos en la forma de pensamiento, en la conducta y en las acciones y decisiones de los seres humanos, en virtud de que se conciben como generadoras de valores y bienes culturales. (shrink)